Propos recueillis par Léa Diaz

Bonjour Guillaume, vous êtes comédien, metteur en scène de métier et vous avez aussi beaucoup d’expérience avec plusieurs institutions, des écoles maternelles et collèges aux Ehpad et associations. Pouvez-vous nous en dire plus sur votre parcours ?

Bien sûr. J’ai commencé par des études en sciences politiques et j’ai obtenu mon diplôme de l’Institut d’études politiques de Toulouse. C’est là-bas que j’ai rencontré Haris Burina, un comédien ex-yougoslave en résidence en France avec le “Tattoo Théâtre” au Théâtre Garonne. Il dispensait des ateliers à l’IEP et ce fut ma première rencontre avec le théâtre, une révélation. J’ai alors décidé de réorienter mes études vers cet art.

J’ai débuté au “Théâtre de l’Acte” à Toulouse, dirigé par Michel Mathieu, fondateur du Théâtre Garonne. Ensuite, j’ai effectué un stage au “Théâtre du Soleil”, une expérience très marquante. Puis, je suis parti à Bruxelles à l’Institut national supérieur des arts du spectacle et de la diffusion, mais j’ai quitté cette école rapidement. Elle était trop sclérosée à mon goût. J’ai donc quitté cette école et je me suis retrouvé en Italie, auprès de César Brie, un metteur en scène argentin renommé. Cette expérience m’a permis d’apprendre « l’artisanat du théâtre ».

Après quelques années en Italie, je suis rentré à Paris et j’ai commencé à travailler avec des enfants. J’ai découvert une nouvelle dimension de mon métier. Les enfants apportent une pureté et une spontanéité essentielles au jeu théâtral. Mon intuition s’est confirmée : si on peut diriger le jeu des enfants, on peut diriger n’importe quel comédien.

J’ai alors rencontré sur mon parcours l’autisme. Lors d’un festival d’Avignon, j’ai été invité par un ami éclairagiste à participer à des ateliers avec des autistes Asperger. Cela fait maintenant 7-8 ans que je travaille avec ce public et j’apprécie énormément cette expérience. Mon parcours est donc marqué par des détours et des rebondissements, mais chacun de ces chemins m’a enrichi.

Comment avez-vous commencé votre collaboration avec La Maison de Louis ?

En arrivant à Bordeaux, je cherchais à m’installer et à me connecter avec des écoles et des associations travaillant dans le domaine de la neurodiversité. C’est ainsi que j’ai découvert le CRA, le Centre ressource autisme, qui recense les associations de la région. J’ai envoyé des candidatures spontanées et La Maison de Louis a été la première à répondre. Laurence et moi avons discuté, nous nous sommes rencontrés, et tout s’est mis en place naturellement.

Pouvez-vous nous décrire les séances de théâtre d’improvisation avec les jeunes de La Maison de Louis et comment elles ont été mises en place ?

Les ateliers que j’anime à La Maison de Louis sont similaires à ceux que je conduisais à Paris pour l’association Asperger Amitié. Ils ont lieu une fois par mois et visent à pratiquer le théâtre pour ses vertus : l’activation du jeu, l’imaginaire, la rencontre avec l’autre. Chaque séance dure 1h30 et se concentre sur des notions fondamentales du théâtre, telles que les personnages, les situations dramatiques, les conflits et les actions.

Ces séances sont difficiles à décrire précisément, car elles relèvent beaucoup de l’expérience vécue. Mais l’objectif est de donner aux participants des clés de dramaturgie, tout en explorant la vie à travers le prisme théâtral. Le cœur de la démarche est de s’amuser, de faire des choses nouvelles et parfois étranges, ce qui est en soi très ludique.

Pourquoi avez-vous choisi l’improvisation pour ces ateliers ?

Pour moi, l’improvisation est indissociable de la pratique théâtrale. Elle est à la fois une discipline à part entière et une méthode de recherche lors de la création d’un spectacle. Quand je crée un spectacle, je pars toujours d’un thème et je fais improviser les participants. Leurs improvisations produisent des textes que je transcris et retravaille.

Avec La Maison de Louis, nous ne créons pas de spectacles, mais la démarche reste la même. L’improvisation consiste à jouer autour d’un thème, avec et pour un partenaire, tout en tenant compte de la présence d’un spectateur. Cet exercice développe l’empathie et la compréhension de l’autre, des compétences essentielles au théâtre.

Quels changements ou progrès avez-vous observés chez les jeunes participants après les ateliers de cette année ?

Je vous avoue ne pas trop m’attarder sur cela car je ne me considère pas comme un thérapeute. Mon objectif premier est que les participants s’amusent et apprennent dans le cadre de l’atelier. Si des progrès se manifestent en dehors de ce cadre, tant mieux, mais ce n’est pas mon but principal. Ce qui m’importe, c’est que les participants prennent plaisir à faire du théâtre et progressent dans cette pratique.

Pouvez-vous partager une expérience ou un moment particulièrement marquant lors d’un atelier ?

Oui, bien sûr, j’en ai énormément. 

Tout d’abord, pour cette édition 2023-2024, l’atelier compte trois participants : Quentin, Louis et William, chacun avec ses particularités. Ainsi, j’ai été particulièrement touché par un exercice de “statues”, où les participants devaient manipuler leur partenaire comme s’il était une statue. Ce type d’exercice, impliquant le toucher, est souvent difficile pour les personnes autistes, mais ici, cela a très bien fonctionné.

Un autre moment marquant a été la manière dont les jeunes montraient une solidarité et une patience admirables, dans certaines situations de jeu, ce qui peut se trouver être une qualité assez rare dans les groupes neurotypiques, où l’échec suscite souvent des moqueries plutôt que de l’entraide.

Une autre expérience mémorable fut un exercice sur une planète imaginaire, où le chef de cette planète devait accueillir les terriens avec un discours en “grommelot”, une langue inventée. William, qui aime beaucoup chanter, a interprété son discours en chantant à la tribune. Nous l’avons tous rejoint dans cette improvisation musicale, créant un moment de partage et de beauté inattendu.

Quelque chose à rajouter pour clôturer cette interview ?

J’aimerais vraiment que nous soyons plus nombreux. L’année prochaine, il serait formidable d’augmenter le nombre de participants. N’hésitez pas à nous rejoindre : “Plus on est de fous, plus on rit”, comme dit le proverbe !

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La peau étanche est une lecture théâtrale bilingue français – espagnol et aura lieu au Théâtre l’Inox (11 rue Fernand Philippart – 33000 Bordeaux) le 17 janvier à 19h.

La peau étanche est un spectacle de l’écrivaine et réalisatrice Véronique Kanor, d’après le texte éponyme, créé lors de la résidence réalisée à Lima au Pérou en novembre dernier. La peau étanche est un récit puissant et poétique qui transite entre la revendication du droit à une identité métissée et à la différence dans un monde qui prône la standardisation, mais c’est aussi un texte d’amour. Un long poème d’amour où Véronique Kanor dévisage les colères sociales tout en écoutant la symphonie radiophonique des désastres : Un jeune a été tué par la foudre. Un bateau de migrants a coulé en silence. Un village est rayé de la carte. Des falaises entrent en éruption, un glacier est réduit à néant. Une nouvelle forêt vient de jeter l’éponge. Moratoire sur le glyphosate. Dehors, il pleut des trombes de colères et dedans, elle aime un homme qui vit au loin. Et dans ce contexte, l’écrivaine se demande s’il est bien raisonnable de carboner la planète pour aller le rejoindre et fabriquer un petit nid d’amour quand la Grande Cabane brûle ? Comment, pourquoi aimer au bord du cataclysme climatique ? Peut-on troquer le monde contre un homme ? “Je n’ai pas la peau étanche, tant de luttes à recommencer… je n’ai pas la peau étanche, mais j’ai la poésie”

La peau étanche est un spectacle créé dans le cadre du projet “Les rives embrassées” mené par l’association KLACL avec le soutien de la DRAC, l’Institut Français, la ville de Bordeaux et Bordeaux Métropole.

VERONIQUE KANOR

Véronique Kanor est née et a grandi en France, dans une famille martiniquaise, et vit aujourd’hui entre la Martinique, la Guadeloupe et la France métropolitaine. C’est cette identité insulaire qui la conduit, après une carrière de journaliste, à l’écriture. Les questions de la filiation, de la violence et de la colonisation hantent chacun de ses travaux. Qu’il s’agisse de poèmes, de courts-métrages, de performances ou encore de photographies, l’œuvre de Véronique Kanor secoue avec force l’invisible, le latent, le non-dit. Nous rappelant que, comme elle l’écrit dans son recueil Les tôles de la nuit, « Chaque homme est un nulle part échappé d’un écho ». L’autrice évoque la colère des territoires d’outre-mer et l’oubli dans lequel ils continuent d’être relégués. La révolte est, sans doute, le fil rouge de sa démarche artistique : une révolte pleine d’éclats, de pétillance, d’échos. Ses lectures explosives, qui cherchent sans faillir une forme de dialogue avec le public, en sont la preuve la plus frappante. Le « pict-dub-poetry », dans lequel elle s’illustre, est ainsi une performance scénique qu’elle accompagne d’images et de sons.

Son recueil Combien de solitudes… a reçu le prestigieux Prix Éthiophile en 2018, lequel récompense depuis 2015 des textes francophones d’Afrique et des Caraïbes (parmi lesquels ceux de Scholastique Mukasonga, Makenzy Orcel ou encore Abdellah Taïa). Elle y crie l’isolement antillais, le poids insurmontable du passé et les gouffres béants du présent. « Au moment de la passation de pouvoir entre le noir et le blanc, dans une étrange chorégraphie, nous étions quatre cent mille à nous baisser en même temps, à ramasser dans un même geste la dernière étoile. »

Extrait d’un texte de Camille Cloarec (Maison de la poésie de Nantes).

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