Juste avant la fin du confinement, et pour clôturer notre série d’interviews confinées, nous avons interviewé César-Octavio Santa Cruz, artiste péruvien qui habite à Bordeaux depuis plus de 15 ans. Avec lui et l’association MACLA nous devions organiser une exposition d’art appelée “Rythmes de l’esclavage” en mai à l’Instituto Cervantes de Bordeaux. Cette exposition a été reportée au mois de novembre à cause de la crise sanitaire. Voici les réponses de cet artiste aux questions que notre rédacteur a posé :

Quels sont tes projets artistiques en ce moment ? Sur les réseaux sociaux on te voit travailler les dessins au crayon, mais aussi de la calligraphie, en plus de la sérigraphie…

Je n’ai pas de projets d’exposition dans l’immédiat étant donné la situation actuelle. Les expositions auxquelles je devais participer ont été, pour la plupart d’entre elles, reportées. Ma prochaine exposition aura lieu à l’Institut Cervantès dans le cadre de la Semaine de la mémoire qui a été finalement reportée au mois de novembre. Pour cette exposition, je travaille notamment dans une installation faite à partir de caisses de vin sérigraphiées et peintes à l’acrylique. J’ai vraiment hâte de pouvoir montrer ce travail d’autant plus que c’est la première fois que mes œuvres seront exposées avec celles de mon père.

Je profite aussi du temps de confinement pour avancer des projets qui étaient restés inachevés. Par exemple, je travaille sur une série de sérigraphies en petit format autour de la gastronomie péruvienne et bordelaise que j’ai intitulée « Lima-Bordeaux : jumelage gastronomique ». C’est une première pour moi car d’habitude, lorsque je fais de la sérigraphie, je ne produis que de grands formats, mais je me dis qu’avec les petits formats, le public aura plus de choix.

A défaut de ne pas pouvoir aller à mon atelier, je réalise les dessins préparatoires à la maison. Ce n’est point du temps perdu, car cette étape est tout aussi importante que l’impression à la sérigraphie, voire plus.  Les gens ont tendance à minimiser les affiches sérigraphiées car ils ne voient pas tout le travail qu’il y a en amont. Tout commence par une idée de sujet et des recherches théoriques autour de celle-ci. Viennent ensuite les dessins faits à la main et on finit par l’impression à la sérigraphie. La réussite d’un projet résulte de la qualité de ces trois étapes. Une étape intermédiaire entre le dessin et la sérigraphie serait la vectorisation sur logiciel d’infographie.

Un certain nombre de dessins et de calligraphies que je publie sur les réseaux sociaux sont des travaux préparatoires mais dans d’autres cas c’est juste de l’entrainement, ça me permet de développer mes compétences techniques. Personnellement, je pense qu’un artiste doit mettre en œuvre les moyens techniques qui lui permettent de s’exprimer. En ce sens, un artiste qui n’a pas développé son savoir-faire mais avec un discours sera plutôt un bon orateur ou un être humain intelligent. Par contre une œuvre techniquement bonne mais sans message ou discours aura juste comme résultat un déploiement technique mais vide de sens. Aujourd’hui on peut même se former soi-même si l’on veut, on peut trouver plein de matériel disponible gratuitement sur internet et aussi des formations payantes en ligne si l’on dispose d’un budget.

Aussi, j’ai fini la mise en page du book de ma série « Rythmes de l’esclavage ». Je compte bientôt le faire imprimer et vendre les exemplaires pour ceux qui le souhaitent à un prix accessible.

Dans ton art on voit une série d’éléments comme le pop art, la musique, la culture africaine et aussi des motifs péruviens… comment s’articulent tous ces éléments ? Et quel est la réception du public français face aux icones qui leur sont souvent inconnues ?

En 2006, j’ai commencé une série que j’ai intitulé « Motifs péruviens pour la consommation » dans laquelle je travaillais à partir de produits et symboles de consommation péruviens. Cette série est en lien étroit avec le travail de Warhol et des artistes pop dans la mesure où elle fait allusion à la société de consommation et que j’ai utilisé des procédés techniques dont ils ont eu abondamment recours tels que le transfert d’encre au diluant, le pochoir et la sérigraphie.

Cette série a été importante pour moi car elle m’a permis de forger un style en reprenant les caractéristiques plastiques de l’esthétique pop – utilisation d’aplats de couleurs vives, images tramées ou simplifiées, utilisation de cernes noirs – et qui a défini mes œuvres postérieures telles que celles sur la musique et sur la culture afro-péruvienne. Une économie de moyens graphiques simple et efficace car elle facilite la lecture des images.  Même lorsqu’il s’agit de peintures, je reprends ce style en essayant d’imiter à l’acrylique les effets visuels de l’esthétique pop.

En effet, j’utilise parfois des éléments visuels qui peuvent être inconnus pour le public français comme dans le cas des produits de consommations péruviens de la série « Motifs péruviens pour la consommation » ou des percussions afro-péruviennes de la série « Rythmes de l’esclavage ». Au premier abord, le public est généralement attiré par l’impact visuel des œuvres produites par les aplats de couleurs et le chromatisme propre aux encres de sérigraphie. C’est en essayant de comprendre le sens que ça peut se compliquer si on n’a pas un minimum de connaissances de la culture péruvienne. À ce stade, les textes explicatifs affichés à côté des œuvres lors des expositions et les visites guidées jouent un rôle prépondérant. J’essaye de faire en sorte que mes textes et mes explications orales soient aussi clairs et complets que possibles. J’ai fait une thèse doctorale il y a quelques années, j’ai donc une méthodologie qui me permet de savoir comment faire des recherches théoriques, de structurer mes textes et de rédiger avec un vocabulaire approprié.

Ta série Rythmes de l’esclavage a commencé en 2012. Comment est-elle née ?  Peux-tu nous parler plus de cette série ? Quel est son origine, ses influences (et tes influences) ?

En parallèle à mon activité d’artiste plasticien, je suis musicien.  Je suis issu d’une famille d’artistes ayant participé à la diffusion des traditions afro-péruviennes. Pour ma part, depuis quelques années, j’essaye de faire découvrir au public la richesse de la culture afro-péruvienne à travers la musique. Je me suis toujours demandé comment je pouvais faire pour associer mon travail d’artiste plasticien, celui de musicien et mon intérêt pour la culture afro-péruvienne. C’est en réfléchissant à cette problématique que j’ai créé en 2011 une œuvre que j’ai intitulé « Rythmes de l’esclavage » inspirée du poème « Rythmes noirs du Pérou » de Nicomedes Santa Cruz, écrivain péruvien qui était aussi mon grand-oncle. Ce poème date de 1957 et parle de l’esclavage colonial au Pérou et des traditions culturelles qui en sont issues. L’œuvre en question est un diptyque réalisé sur des petits formats avec des techniques assez rudimentaires : transfert d’encre, pochoir et linogravure. C’était ça le point de départ. Après j’en ai fait une série. J’ai décidé alors d’aborder divers thèmes autour du poème et du contexte dans lequel il avait été créé, et pas seulement la musique afro-péruvienne : l’esclavage, la discrimination raciale, la lutte pour l’égalité, le commerce triangulaire, les droits civiques aux Etats-Unis, etc.

Les références de cette série sont pour la plupart des poèmes. La référence principale est, bien sûr, « Rythmes noirs du Pérou » de Nicomedes Santa Cruz mais je me suis inspiré aussi du poème « Me gritaron negra » (« On m’a traité de négresse ») de Victoria Santa Cruz. D’un point de vue plastique, mes influences sont liées au Pop’art : des artistes comme Warhol ou Lichtenstein, Equipo Cronica dans la peinture espagnole ou Jesus Ruiz Durand dans l’art péruvien.

La situation qu’on vit est totalement inédite de par son caractère mondial. Est-ce que le confinement a changé ta façon d’appréhender ton art ?

Cela a surtout modifié ma pratique artistique, en tout cas provisoirement. Je dessine davantage et fais de la calligraphie. Pas de sérigraphie car je ne peux pas aller à mon atelier. J’essaye de me former aussi à l’utilisation de logiciels qui peuvent me servir pour des projets tels que indesign et illustrator. Je m’entraine davantage à la guitare. J’ai repris la guitare classique. Je crée des nouveaux arrangements pour mon groupe. J’apprends des nouvelles chansons que je n’aurais jamais imaginé de jouer pour accompagner une de mes colocataires qui chante. J’ai aussi fait un montage vidéo pour mon groupe que j’ai partagé dans les réseaux sociaux. Avec la situation que l’on vit, beaucoup d’artistes et de musiciens se tournent vers les réseaux sociaux pour partager leurs créations. Aujourd’hui, plus qu’avant le confinement, il est possible de voir des expositions virtuelles et des concerts en ligne à défaut de ne pas pouvoir se rendre dans les lieux culturels, salles d’exposition ou de spectacle.

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La semaine de l’Amérique Latine et des Caraïbes arrive! Pour la sixième année consécutive, la France mettra à l’honneur l’Amérique latine et les Caraïbes, du 23 mai au 8 juin 2019, à travers un programme de plus de 500 événements culturels, scientifiques, politiques et économiques.

A Bordeaux les associations latino-américaines, avec le support de la Mairie de Bordeaux et de Bordeaux Métropole, organisent diverses activités artistiques et gastronomiques. 

Dans ce cadre, KLAC travaille avec deux associations, MACLA Bordeaux et MLab pour créer une programmation culturelle. Une exposition, des concerts, des  conférences et des ateliers sont des activités auxquelles vous pourrez assister à partir du 25 mai. Le tout à la Halle des Chartrons (10 Place du Marché Chartrons, 33000 Bordeaux)! 

Voici la programmation culturelle que nous avons préparé pour vous : 

SAM. 25 MAI / 19H Vernissage de l’exposition « CONNEXIONS ET DECONNEXIONS » et concert du groupe Sonneto

Exposition des œuvres d’une quinzaine d’artistes issus des différents pays de l’Amérique Latine autour du thème « Connexions et déconnexions ». Ce thème se trouve dans la continuité de la réflexion entamée par MACLA lors de ses derniers projets (expositions : Identités, Entre Amérique et Europe : les utopies en transit, Empreinte et Territoire, conférence animée : Déshabiller les clichés) autour de l’identité polymorphe d’une Amérique Latine riche et diverse. Du 25 mai au 5 juin, de 14h à 20h.

Le vernissage en musique avec le concert de ‘Sonneto: liens entre pays et rythmes latins’.

Sonneto est un groupe installé à Bordeaux et spécialisé dans la musique latine, essentiellement sur les rythmes cubains. Bien que la formation originale ait commencé à jouer il y a des années et ait été créée par un tresero espagnol et un bassiste chilien, le groupe actuel compte avec des musiciens de différents horizons (Arménie, Pologne, Maroc, Espagne), passionnés par les rythmes de l’autre côté de l’Atlantique. , qui incluent de plus en plus de variantes et d’instruments (violon, piano, percussions variées).

Dans sa mise en scène, on peut apprécier des rumbas, des cumbias, des fils, des boléros ou des guarachas qui relient différents pays d’Amérique latine et des styles musicaux révélant un large échantillon de la réalité musicale de l’Amérique du Sud.

DIM. 26 MAI / 18H Conférence autour de l’influence de la musique latine sur le flamenco

Conversation, concert, récital: ‘Connexions musicales et poétiques entre l’Espagne et l’Amérique latine’: la chanson et la lyrique latino-américaine “transformés dans le” – traduites au / original: revestidas) flamenco et la chanson d’auteur. Par Ana Cánovas

Conférence sur l’influence de la musique latino-américaine dans le style flamenco:  Cette proposition vise à révéler l’origine et à dévoiler les tenants et les aboutissants de cette relation grâce à un échantillon dynamique des transferts qui se produisent d’une culture à une autre. De l’introduction d’instruments essentiels tels que le cajón péruvien à l’adoption de rythmes tels que la rumba cubaine ou l’adaptation de chants traditionnels d’Amérique latine, l’influence musicale du continent sud-américain sur le flamenco est incontournable.

Concert autour de la poésie latino-américaine couverte par les auteurs-compositeurs espagnols: la chanson de l’auteur espagnol, très populaire dans les années 70, s’inspire de courants tels que la «Nueva canción chilena» ou la «Nueva trova» cubaine. Nous tenterons de déchiffrer les histoires cachées derrière ces compositions à travers l’interprétation d’interprètes tels que Paco Ibáñez, Amancio Prada, Joan Manuel Serrat ou, plus récemment, Pedro Guerra, qui ont chanté pour des poètes tels que César Vallejo, Nicolás Guillén. , Ernesto Cardenal ou Pablo Neruda, entre autres, et que nous interpréterons pour l’occasion.

Récital sur les poètes latino-américains qui ont fait référence à l’Espagne dans leur travail: non seulement nous attirons l’attention de l’Espagne sur l’Amérique latine, mais il se déroule également dans le sens opposé. Ce calice (1939) de César Vallejo est éloigné d’exemples emblématiques tels que l’Espagne au cœur (1937), Pablo Neruda ou encore l’Espagne, même des auteurs actuels tels que Martín Rodríguez-Gaona (Prix de la poésie de la ville de Cáceres en 2011), et sa ligne circulaire de Madrid (2013), la vision du pays dans différents contextes sociohistoriques à travers la poésie constituerait le cœur de la lecture proposée

MAR. 28 MAI / 19H Conférence autour du jazz afro-péruvien et démonstration musicale (Organisé par l’association MLab)

Conférence “Le jazz afro-péruvien, résistances culturelles et identité” par Carlos Olivera et concert-démonstration par un trio de musiciens péruviens de notoriété invités pour l’occasion: Rodrigo Almonte (g), Carlos Betancourt (b) et Cote Calmet (d).

Cette conférence veut, dans un premier temps, expliquer l’évolution historique du jazz afro-péruvien et ses relations avec les mouvements sociaux péruviens et internationaux. Dans la deuxième partie de la conférence nous expliquerons les spécificités rythmiques de la musique afro péruvienne et comment elle s’est fusionnée avec le jazz. Cette démonstration sera faite avec l’aide d’un trio de musiciens péruviens invités pour l’occasion.

JEU. 30 MAI / 16H Atelier d’éveil musical pour des enfants (2-6 ans*)

Atelier destiné à éveiller la curiosité musicale de l’enfant, à travers une découverte et manipulation des différents instruments de musique. Par Gloria Aravena

L’objectif de cet atelier est de stimuler le sens du rythme et la coordination de l’enfant, lui apprendre et faire entendre des chants et des rythmes autres que ceux qui il peuvent entendre habituellement, dans une autre langue que la sienne, notamment l’espagnol et le portugais. Il s’agit d’une activité ludique et collective, où l’enfant aura l’occasion de s’approcher à la musique populaire et le folklore de l’Amérique latine.

C’est une activité qui est dirigée aux enfants entre 3 et 6 ans. Mais aussi*, possible de proposer pour le moins de 3 ans, mais ce dernier doit être accompagné par un ou les deux parents, car cela rassure l’enfant ainsi que permet de créer avec lui une interaction très positive et enrichissante.

La duration de l’atelier est d’une heure maximum et le nombre d’enfants par atelier c’est dix maximum.

Gloria Aravena est une chanteuse et une musique d’origine chilienne. Il est soliste dans deux groupes de musique latino à Bordeaux: Put color et Aliwen. Parallèlement, elle travaille avec des enfants lors d’ateliers musicaux, de manière indépendante et avec des associations musicales (Ricochet Sonore, Imagina Music). En parallèle, elle a récemment reçu son doctorat en histoire du Chili.

VEN. 31 MAI / 19H Conférence autour de la cumbia + concert du groupe Ponele color

Conférence autour de la cumbia présentée par Carolina Abello (Colombie) et Carlos Olivera (Pérou) et Ivan Torres (Mexique) suivi d’un concert du groupe Ponele color

La Cumbia est la deuxième langue d’Amérique latine. Née en Colombie, elle résonne aujourd’hui sur tout le continent, par-delà les frontières. Elle fait chanter chaque maison, elle fait danser toutes les générations. Conjuguant le rythme des esclaves africains, le sentiment indigène avec la flute (gaïtas) et la mélodie espagnole avec les bandas, elle exprime l’essence des valeurs latino-américaines, pétries de fraternité et de liberté.  

SAM. 1 JUIN / 16H Atelier d’art et géographie ‘3 pays 3 connexions’ (+11 ans)

“3 PAYS 3 CONNEXIONS. Un lien établi grâce à la géographie et à la couleur”, est un atelier qui nous invite à découvrir la géographie latino-américaine à travers l’art. Atelier animé par Andrea Ho Posani et Silvana Gallinotti. 

Cet atelier, conduit par les artistes Andrea Ho Posani (Venezuela) et Silvana Gallinotti (Argentine) propose, à l’occasion de la Semaine de l’Amérique Latine et des Caraïbes, de découvrir les similitudes et les différences géographiques, architectoniques et chromatiques qui existent entre les villes de Bordeaux, Caracas et Buenos Aires.

À travers la réalisation collective d’une peinture murale de trois mètres, le  public participant découvrira les principales caractéristiques des villes de Caracas et Buenos Aires, en même temps qu’il explorera les différences et similitudes existantes avec Bordeaux. Pendant la réalisation du murale, Andrea Ho Posani et Silvana Gallinotti montreront des images de leurs villes d’origine et parleront de ses lieux les plus emblématiques.

Public : à partir de 11 ans

2 heures de duration

SAM. 1 JUIN / 19H Concert et spectacle visuel avec Luceras + Sergio Santamaría

“Viaje rítmico por los elementos” c’est un concert visuel où les chants andins du duo féminin Lúceras dialoguent avec les vidéos de l’artiste visuel Sergio Santamaría Bordes, où l’air, le feu, l’eau et la terre seront les protagonistes représentant l’harmonie de la Pachamama.

Lúceras chantent des coplas venues du nord-ouest de l’Argentine. Deux voix et quelques cajas pour partager ces chants andins qui racontent la vie, les relations, la Nature. Leur répertoire mêle des chants traditionnels et ancestraux aux compositions récentes d’auteures-compositeures de la nouvelle génération. Lúceras nous emporte à travers leurs sonorités brutes aux harmonies délicates, vers un ailleurs suspendu, intemporel.

https://www.youtube.com/channel/UCsht38GDZlXR6_ZX_NLgAWw

https://www.facebook.com/luceras/

https://luceras.jimdosite.com/

Sergio Santamaría Borges est un artiste visuel et designer né à Caracas Venezuela, a travaillé dans l’animation, notamment au sein de la chaîne HBO Amérique Latine. Dès son arrivée en France, il se consacre à la vidéo et collabore avec différents artistes et collectifs d’art contemporain. Il a présenté ses œuvres dans des musées et plusieurs forums d’art contemporain tels que MACLA (Bordeaux), Sound / Image (Londres) et le Lenbachhaus (Munich).

DIM. 2 JUIN / 18H Improvisation musicale et vidéo et vide atelier

« La ville aquatique », par Creepy Mojo (Music) et Sergio Santamaría Borges (Video), est une expérimentation musicale et visuelle inspirée par la mer (format bande originale, ambiance electro/pop/rock sur animation vidéo). Embarquez pour une improvisation live, un discours/voyage entre performance graphique et sonore.

Creepy Mojo est un chanteur et musicien multi-instrumentiste. Il compose, écrit et se produit sur scène, se spécialise dans la musique et le son avec une prédilection pour les instruments à cordes dont la guitare électrique qui est son instrument principal. Actuellement (2018), il travaille pour son groupe rock Creepymojo et collabore régulièrement avec divers artistes (Philip Parfitt ex-The Perfect Disaster, Vincent Bricks…)

Sergio Santamaría Borges est un artiste visuel et designer né à Caracas Venezuela, a travaillé dans l’animation, notamment au sein de la chaîne HBO Amérique Latine. Dès son arrivée en France, il se consacre à la vidéo et collabore avec différents artistes et collectifs d’art contemporain. Il a présenté ses œuvres dans des musées et plusieurs forums d’art contemporain tels que MACLA (Bordeaux), Sound / Image (Londres) et le Lenbachhaus (Munich).

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