La Galerie Magnetic, en partenariat avec Klac, présente « Irisation », une exposition de l’artiste urbain Xomatok qui a débuté le 01 juin dans le cadre des semaines d’Amérique Latine et des Caraïbes (SALC) et qui se poursuit jusqu’au 07 juillet 2024. Originaire de Lima, au Pérou, Xomatok est reconnu pour son style graphique et vibrant qui transforme les paysages urbains en véritables œuvres d’art.

À travers cette exposition, Xomatok offre une réflexion sur la couleur et la lumière par l’utilisation de motifs abstraits et de formes géométriques vibrantes. Ses compositions au visuel dynamique se rapprochent d’un véritable kaléidoscope, en raison de sa fascination pour les couleurs et les formes en mouvement. Comme cet outil qui crée des motifs changeants et infinis à partir de fragments de verre coloré, Xomatok utilise la couleur de manière vivante et dynamique pour explorer des possibilités visuelles sans fin. Ses œuvres captivent et émerveillent comme les motifs kaléidoscopiques, invitant le spectateur à voir la réalité sous un angle nouveau et vibrant. De plus, son art nous rappelle la richesse et la diversité de la perception visuelle, souvent limitée par notre propre perspective.

Dans sa démarche artistique, Xomatok explore l’art abstrait en s’inspirant de la liberté et de l’exploration des possibilités infinies qu’offre la couleur. Pour lui, les couleurs sont un moyen de transcender les limites perceptuelles imposées par la réalité humaine, souvent restreinte. Il voit notre perception limitée des couleurs comme une forme de prison— selon ses propres mots—, contrastant avec la capacité des autres êtres vivants à percevoir le monde différemment. Cette philosophie se reflète dans son travail, qui cherche à élargir notre perspective en nous proposant son exploration à travers la gamme de couleurs. Mais l’initiative de Xomatok est encore plus profonde : nous inciter à une humilité face à notre propre perception limitée.

Ces deux dernières semaines, ne manquez pas cette opportunité unique de découvrir le travail de l’artiste Xomatok, dont les créations ont déjà conquis des publics à travers le monde !

Biographie :

Xomatok, né à Lima en 1985, a débuté sa carrière en tant que graphiste avant de se tourner vers l’art urbain, où il s’est rapidement fait connaître. Il est célèbre pour ses installations lumineuses qui transforment les espaces urbains parfois pauvres et délabrés en véritable arc-en -ciel de couleurs vives et de formes géométriques. Inspiré par la nature et les traditions culturelles péruviennes, Xomatok crée des compositions éclatantes qui accrochent le regard du public. Utilisant principalement des outils digitaux et des logiciels graphiques, il reproduit ses créations sur les murs et dans les rues de sa ville. Ses œuvres sont une ode aux couleurs du spectre solaire, captivant l’attention par leur dynamisme et leur luminosité.

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Rencontre avec Jofo, de son nom Jean-François Duplantier, l’artiste bordelais nous ouvre les portes de son atelier. Dans cet univers coloré aux odeurs d’acrylique, empli de toiles, de reproductions, de bustes de mannequins recouverts de Toto, son personnage signature, il nous parle de son parcours, de ses œuvres et de ses projets.

Pour commencer, j’aimerais savoir ce qui t’a amené vers la peinture, puisque tu as suivi une formation d’architecte, avant de te consacrer entièrement à tes toiles.

Quand je suis arrivé à Bordeaux, il y avait une espèce de richesse en art
contemporain avec le CAPC qui était une grosse machine de guerre. Je me
souviens d’expositions marquantes, qui m’ont ouvert les yeux. Je venais de Dax, je n’avais pas une grande culture de l’art en général, alors voir des expos de Keith Haring, sur la figuration libre, un courant important des années 80 avec Robert Combas, de Daniel Buren qui a fait une installation hallucinante dans la nef, c’était incroyable. Je commençais à peindre et ces artistes-là m’ont orienté vers quelque chose de plus graphique, de plus spontané, de plus jeté et au fil des années j’ai trouvé mon style. Less is more, j’aime bien le très épuré. Après je peux le contrer par le fond que je traite de manière variée, c’est ça qui fait la variante de mon travail
depuis trente ans. Je vais dans des territoires inconnus dans le traitement des fonds. Ça peut être des aplats, des rayures, des coulures, des projections, des tons unis, … J’aime bien aussi me réapproprier des supports existants, des papiers imprimés, des panneaux de chantiers, des affiches, des tapisseries. Je préfère ça à la page blanche.

Chacune de tes œuvres s’orne d’un petit personnage, Toto. Reconnaissable à sa tête ronde et à son trait minimaliste, il est ta signature. Est-ce que tu pourrais m’en parler ?

Cette année, ça fait 30 ans qu’il existe, que je le dessine sur toutes mes ouvres. Il est né de la découverte d’un dessin d’enfant que j’ai fait à l’âge de 5 ans, dans le grenier de mes parents à Dax. Ce dessin je m’en suis servi pour le reproduire au propre. Ce personnage est très fidèle, je me suis rendu compte que ça m’amenait une grosse identité et qu’avec ce personnage là je pouvais raconter plein d’histoire.
Il est universel dans le sens où il peut toucher beaucoup de monde, quelques soient les âges, on a tous une part d’enfance en nous. Grâce à lui je peux véhiculer des messages, les coller à des faits d’actualité. Je peux aussi raconter des choses très légères, l’amour, la guerre, la religion, le sport, …Vivre avec lui depuis 30 ans, c’est vrai défi. C’est pour ça que j’ai des temps de pauses, et j’ai un plaisir fou de le remettre en scène pour lui faire vivre d’autres aventures. Tant que je n’ennuie pas les gens et que je ne m’ennuie pas moi-même, j’y vais. J’admire les gens qui se surprennent tous les jours, c’est d’une force extraordinaire.

Tu abordes des thèmes extrêmement divers, allant de la politique aux surfeurs, est-ce que tu en as des plus chers que d’autres ?

J’aime bien peindre les choses de l’amour. A une époque je peignais plus des faits de guerre mais c’était lié aux enfants, aux jeux de guerre et puis il y a forcément un parallèle avec l’actualité et les conflits à travers le monde. Après il y a des évènements marquants comme le 11 septembre, ou la révolution roumaine, tout ça je l’ai traité en peinture. Récemment je me suis attaqué aux gilets jaunes parce que je trouvais que c’était un sujet sociétal d’une telle importance que j’avais envie de m’exprimer dessus. L’art doit délivrer une émotion en passant par quelque chose qui parle aux gens. C’est une nécessité pour moi de mettre des choses sur la toile, après je ne suis pas dessinateur de presse ou chroniqueur. Mais quand je me lance dans quelque chose, j’ai du mal à m’en sortir. Les gilets jaunes j’ai fait beaucoup de toiles parce que le mouvement a duré longtemps et a évolué. Notre Dame brûle, aussitôt je fais une toile parce que ça me touche beaucoup. La Covid, forcément je l’ai traité, ça bouscule le monde, c’est difficile de passer à côté.

En parlant de la Covid, tu as fait une installation assez incroyable sur la Place de la Bourse en mai dernier…

Elle est arrivée comme un don de Dieu. On était tous confinés à Bordeaux, moi j’ai la chance d’avoir un chien, et avec mon atelier de l’autre côté de la ville, je la traversais tous les jours. J’ai été fasciné, attiré par la ville déserte, j’y ai passé des moments très riches. Un jour en venant à l’atelier je me suis rendu compte qu’il n’y avait pas de pub sur la façade de la Place de la Bourse. Pendant le confinement, il n’y avait pas plus insupportable que de se sentir inutile, je faisais des dessins sur les réseaux sociaux et je me suis mis à rêver de voir une de mes œuvres sur cette bâche. En quatre coups de fils ça s’est débloqué, en dix jours c’était fait ! C’était cocasse parce que quand il est apparu la place était déserte, personne ne pouvait le voir. Après il y a eu beaucoup de presse, de télé qui sont venus et qui ont fait que ce merci a pu sortir du cadre de la place. Il est resté un mois et demi, puis en juin une pub est revenue, en juillet aussi, et grâce à l’absence de pub en août ils ont remis mon Toto-soignant. Il a été enlevé il y a quinze jours, la bâche est repartie à Lyon et va être découpée en morceaux pour faire des sacs qui vont être vendus au profit du CHU.

Bordeaux a une place importante dans ton œuvre, tout comme la région aquitaine. D’origine dacquoise c’est pourtant la capitale Girondine qui t’a inspiré des séries, pourquoi ?

Parce que Bordeaux c’est ma ville, ça fait depuis 1981 que j’y vis. Bordeaux c’est mon terrain de jeu, c’est une ville qui m’inspire, que j’éprouve, et son évolution m’intéresse aussi. Le traitement de l’architecture est une passion pour moi. Au tout début de mon parcours, j’ai beaucoup dessiné la ville et vingt-cinq ans après je m’y suis remis parce qu’elle ne cesse de changer. D’où l’idée de faire Chapo Bordo(1) puis Chapi Chato(2), puisque l’architecture viticole évolue aussi rapidement. C’est un peu la concurrence des grandes signatures d’architectes. Je pourrais dessiner vingt autres châteaux facilement, il y en a tellement dans la région, idem pour Chapo Bordo, un deuxième serait envisageable, il y a plein de bâtiments marquants, qu’ils soient classiques, modernes, art déco, art contemporain, il y a de quoi faire. 

Est-ce que tu peux nous parler de ton processus créatif ? De tes inspirations lorsque tu travailles ?

Pour mes toiles, je me lance sans croquis, sans trait d’étude. Avant même de faire le fond, je tends la toile, j’enduis, ça me permet de réfléchir. Une fois que le fond est terminé, je m’attaque à une scène. Je démarre toujours par l’œil, le premier rond et près j’y vais. C’est comme une BD, une histoire courte, sur une seule case. En un seul dessin il doit inspirer quelque chose au niveau de l’émotion. J’aime bien travailler avec de la musique, il y a pas mal de groupes que je suis depuis des années, les Who par exemple, et j’aime bien utiliser des titres ou des paroles pour les rabattre sur ma toile. C’est pour ça qu’il y a assez souvent des petites phrases en anglais dans mes peintures. J’aime bien faire des ponts entre mes passions. Ma peinture est comme la musique que j’écoute, rock’n’roll et urbaine.

Tu es donc peintre, architecte mais aussi vidéaste et musicien, comment est-ce que tu lies toutes ces différentes formes d’expression ?

Je le vois comme un complément d’activité qui m’amène ailleurs et me fait du bien. La musique par exemple, c’est un travail collectif avec des copains depuis des années, c’est précieux, c’est une passion. Il y a un pont dans la création, entre les paroles des chansons que j’écris et les thématiques des peintures que je produis, dans le prochain album il y a une chanson sur les slogans des gilets jaunes, chose que j’ai traité en peinture, il y en a une sur le départ d’Alain Juppé de la mairie de Bordeaux, chose que j’ai faite en peinture aussi, il y en a une sur des surfeurs et je l’aborde aussi,…Il y a un pont entre la création picturale et les autres.

Dans ce monde un peu incertain, tu as des projets pour l’année à venir ?

Il se trouve que l’été dernier, il y a 13 mois donc, on a enregistré notre 3^e album avec les Snoc et on devait le sortir en mai, ça a été repoussé. On a sorti pendant le confinement un clip, qu’on a tourné comme ça, chez soi, une chanson appropriée puisqu’elle s’appelle « dans ma maison ». Pour la peinture, si la Covid le veut bien, j’exposerai à Paris cette année. Après j’aimerais bien faire une sorte de rétrospective, j’en avait fait une de 96 à 2006, 10 ans de création. Faire un gros bouquin qui retracerait un peu ce que j’ai fait, pas d’exhaustif, l’exhaustif ça sent le sapin (rires). L’idéal serait de l’accompagner d’une expo rétroviseur, à Bordeaux ce serait top !

Site web de l’artiste : http://www.jofoland.fr

(1) Série de toiles faites par Jofo où Toto porte un chapeau représentant des bâtiments bordelais : Place de la Bourse, Grand Théâtre, stade, etc. (Note de la rédactrice)

(2)  Série de toiles faites par Jofo où Toto porte un chapeau représentant des châteaux viticoles bordelais (Cheval Blanc, Carbonnieux, Issan,…)

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Photos : Alain Pelletier et Carlos Olivera

“Appelez-moi quand vous y serez”, un nom de rue, pas plus d’informations, c’est dans ce contexte que nous nous apprêtons à rencontrer Selor. Le streetartiste bordelais, connu pour ses Mimils, personnage reconnaissable par son apparence mi-chien, mi-renard et sa marinière, tient à garder le lieu de son atelier secret. Sur le trajet nous tombons sur plusieurs fresques déjà réalisées, s’ornant pour la plupart d’un texte poétique aux couleurs tendres. 

Rencontre avec David Selor, l’artiste qui, depuis plus de cinq ans, habille les murs de la ville.

– Cela fait plusieurs années que vous vous adonnez au street art, mais comment cette envie vous est-elle venue ? 

Selor-A la base je faisais du graffiti, du travail de lettres dans la rue et puis je commençais à avoir des problèmes, à avoir peur d’en avoir plus. J’ai arrêté pendant un temps, j’ai quand même voulu trouver un moyen d’expression et je me suis mis à faire un dessin, ce petit personnage que j’ai appelé le Mimil. A partir de là, j’ai gardé le support mural parce qu’il ne posait pas de contraintes de format, pas de contraintes de liberté non plus et c’est du partage en direct. C’est comme un mur Facebook, tu partages et si les gens aiment, ils te le disent, s’ils n’aiment pas ils viennent t’agresser. Ça n’arrive quasiment jamais, mais dans tous les cas il y a un retour direct. 

-On entend de plus en plus parler de Selor dans les médias. Vous accordez souvent des interviews ? En quoi cette notoriété a influencé votre façon de faire de l’art ? 

Selor-Oui, j’en ai fait quatre ces dernières semaines, donc il y en a quand même pas mal. Ça change forcément des choses, je dois faire deux fois plus attention à ce que je fais, à ce que je dis. Même si ça ne me sert pas de leçon, j’arrive toujours à faire plein de fautes d’orthographe par exemple, dans la logique des choses ça devrait changer. Mais dans le fond non, je crois que je m’en fous. 

-Se dédier uniquement à son art est un pari plutôt risqué, est-ce que vous arrivez à en vivre ? 

Selor– Depuis pas si longtemps que ça, ça fait 5 ans que j’ai arrêté de bosser à côté pour faire que de la peinture, et ça ne fait que deux ans que je paie des impôts, donc c’est cool. Je ne pensais pas que c’était possible déjà. La majorité des artistes n’en vivent pas. 

-Vous faisiez un parallèle entre le mur et les réseaux sociaux, c’est cet échange qui vous intéresse dans le mural ? 

Selor-Oui, pour susciter le dialogue et que les gens puissent se l’approprier, tout le monde peut vivre avec mes trucs, moi ça me fait kiffer. Même s’il y en a qui n’aimeraient pas, mais moi ça me botte de savoir que l’œuvre fait sa vie toute seule. En plus ça m’arrive de temps en temps de discuter avec les gens lorsque je travaille sur un mur. Là y’a une fresque qui dit “Ce n’est pas de l’art”, je l’ai faite parce que j’étais en train de repeindre en bleu et le mec n’avait même pas vu ce que j’allais faire, il m’a juste vu repeindre le béton en bleu, il s’est arrêté et m’a dit “Ce n’est pas de l’art ça”. Il a dû me prendre pour un peintre en bâtiment ou je n’en sais rien. 

-Vous avez déjà eu des problèmes lors de la réalisation d’une fresque ? 

Selor-Plusieurs fois par an, mais pas à Bordeaux. On peut dire ce qu’on veut sur Bordeaux mais les flics sont déjà passés et c’était pour m’encourager plus qu’autre chose. Donc pour l’instant je touche du bois. Après j’ai été arrêté en Angleterre, au Portugal, à Marseille. Jamais à Paris, sinon là j’aurais eu des problèmes je pense. Mais à chaque fois je m’en sors bien grâce au rapport avec le support, avec la pièce que je fais dessus, je fais en sorte de ne pas dégrader mais d’ajouter de la valeur. Donc à partir de là avec un bon discours, ils viennent vers moi en me disant “je peux vous aider ?”, bon bah je fais profil bas, je ferme ma gueule, je sais que je ne suis pas en totale légalité, mais ce n’est pas non plus de la délinquance.

-Le support est déterminant dans l’oeuvre produite, comment est-ce que vous le choisissez ? 

Selor-Moi je prends tout ce qui est portes murées en parpaings ou en bois qui condamnent les maisons qui ne sont pas habitées. Comme ça légalement ce n’est pas un support pour lequel on pourra me mettre en procès. Soit ça va être détruit quand les travaux vont commencer et dans le pire des cas, ça peut devenir un objet politique vu que ça met en valeur des bâtiments qui ne sont pas habités. Ça peut être un problème pour certaines politiques d’avoir des maisons qui ne sont pas habitées dans un centre-ville. 

-Quand vous créez une œuvre vous avez l’idée avant de la faire ou c’est le lieu qui vous l’inspire ?

Selor-Je n’ai pas de ligne directrice toute tracée, je peux partir avec une idée et au final faire autre chose. C’est pour ça qu’il y a souvent des erreurs, qu’on trouve ce côté naïf dans mes trucs de ville. C’est souvent spontané, même quand j’ai une idée bah en fait je fais autre chose. 

Je peins aussi à l’étranger, j’y vais dans l’optique de peindre des murs en industriel, d’arriver dans des villes, de faire un max de murs et repartir. Mais maintenant c’est plus en France qu’à l’étranger pour des questions d’avion.

-Combien de temps vous prend un mural à réaliser ? 

Selor– Les anciens pas plus de 15 minutes. Maintenant que j’ai compris qu’avec les spots que je choisissais je n’aurais pas de problèmes, je reste une, deux heures dessus. 

-Votre oeuvre se centre autour d’un petit personnage que vous avez évoqué: le Mimil, est-ce qu’il a une symbolique propre ? 

Selor– L’objectif c’est que tout le monde puisse s’identifier, se l’approprier, ou pas d’ailleurs. Mais à la base ça représente un autiste, je voulais avoir un côté humain et un côté super instinctif de l’animal, donc c’est ça qui est sorti en trois traits. Je l’ai modifié quand même avec le temps, mais c’est resté le même concept. C’était à une époque où je voulais faire éducateur spécialisé. En 2013, j’ai fait un service volontaire européen au Portugal, je travaillais dans un centre qui accueillait des autistes avec très peu d’indépendance, la plupart ne pouvait pas parler. S’ils s’exprimaient, c’était par des cris, en tapant ou des gestes. Et les éducs me disaient que pour certains il fallait que j’appréhende leur manière de communiquer comme si c’était une manière animale, il faut imaginer la tête d’un enfant qui vient de naître sur le corps d’un adulte de 30 ans. Ils réagissaient avec des manières super instinctives.

-Et d’où vient ce nom?

Selor– Parce qu’il fallait un nom. J’aurais été obligé de dire “je vous ai fait un machin” et donc de répondre à la question de savoir si c’est un chien ou un renard, du coup j’ai donné un nom. Après, moi je me fiche de savoir ce que c’est, je préfère me baser sur ce qu’on fait plutôt que ce qu’on est. Pour moi ça n’a pas d’importance que ce soit une girafe, ou une grenouille tant qu’on comprend le texte, ce qu’il fait. 

-Est ce que vous envisagez de faire une œuvre sans que Mimil y figure ? 

Selor– J’en ai fait, j’en ai vendu, mais aujourd’hui on m’appelle pour ça, donc s’il n’y a pas une petite référence, moi le premier, ça me ferait bizarre. Mais j’arrive à en sortir sans le quitter non plus, sur des toiles un peu brutes comme celle qu’il y a dans l’entrée là (montre une toile qu’il est en train de réaliser), il y a un esprit naïf, cette tête de chien de profil. 

-Le texte est utilisé pour transmettre un message concret ou c’est pour la poésie ? 

Selor-Les deux, des fois j’ai un vrai message à faire passer pour moi me soulager, des fois c’est pour soulager d’autres personnes. Des fois c’est pour parler au nom d’habitants que je viens de croiser et d’autres c’est de la pure connerie. Tous mes écrits sont à discuter, je ne me positionne pas en moraliste, moi je fais mes trucs, après je vois les gens se l’approprier comme ils veulent. 

-Les textes vous les avez avant le dessin ? 

Selor– Oui, je les mets sur le portable quand j’ai des idées, des fois je ne la fais jamais, d’autres je me dis “ok je la fais” et je me pointe sur le lieu et il y a autre chose qui va ressortir du quartier. Mais oui j’ai tout un stock de phrases.

-Par rapport à cet aspect transgressif du street art, le fait d’en vivre n’est-il pas paradoxal ? 

Selor– Tout est un paradoxe, le fait de la vie en elle-même en est un, on vit, on meurt. C’est assez contradictoire de se dire, on prend un truc on le met dans la rue ça devient populaire, dans le sens où ça touche toutes les classes sociales, mais après les toiles ne sont pas à moins de 1000 balles et là cette couche sociale ne peut pas se les offrir. Après la liberté de peindre dans la rue… sur une toile ce n’est pas les mêmes problèmes juridiques. Sur toile je ne mets pas trop de message, je vais plus jouer sur du visuel, c’est un travail différent.

-Vous vous considérez comme transgressif ? A l’écart de l’art normé ?

Selor– Je ne suis clairement pas là-dedans, je le ressens. Je ne marche avec aucune galerie d’art contemporain, avec aucun musée. Je ne pense pas un jour rentrer dans un musée, ça m’intéresserait bien sûr. Je suis pour l’institutionnalisation du travail de rue bien sûr, ça permet de le rendre pérenne et aux artistes d’en vivre. Je ne vais pas faire l’artiste pieds nus, bohème, la réalité c’est qu’il faut que je gagne ma vie, acheter de la peinture, continuer à être heureux et continuer d’offrir ce que j’offre. Donc quoi qu’il arrive, s’il y a des musées qui sont chauds bah moi que ce soit dans la rue ou ailleurs, c’est de la création. Après c’est peut-être plus rebelle de peindre sur les murs, bien que sur mes supports à moi pas vraiment. Ce qui est dans l’ère du temps c’est de faire quelque chose qu’on sait fragile, qui peut être détruit. C’est un patrimoine fragile qui disparaîtra très très vite. 

-Vos œuvres ont-elles une visée politique ? 

Selor– Je vois les dernières législations, il y a eu trois partis qui m’ont demandé de bosser avec eux, j’ai illustré des trucs promotionnels de partis sans même le savoir. Quand ils me demandent c’est non, peu importe le parti. Dans tous les cas c’est repris. 

-Avez-vous envie que votre art soit utile à la société ?

Selor– J’ai collaboré avec les Restau du cœur, mais après c’est que de la peinture. Ce n’est pas ça qui va nourrir les gens. Moi si, mais pas les autres. Donc utile ça dépend ce que les gens veulent en faire. L’art n’a pas vocation à avoir une réelle utilité pragmatique, c’est de l’ordre du ressenti. Après ça devient de l’artisanat, c’est pratique. Mais en œuvre d’art après le message et le côté émotionnel ça n’a pas vocation à être utile. 

 -Vous savez combien de fresques vous avez faites ? Vous en gardez une trace ?

Selor– Je ne peux pas les compter, plus de 500, peut être 800. Maintenant je les prends en photos, avant je n’avais pas le matos et je m’en foutais, donc c’est des photos que je récupère à droite à gauche, certaines sont inutilisables. 

-Vous n’avez pas envie de faire un livre “Selor” avec toutes ces fresques ? Ça doit être une énorme base de données.

Selor– C’est prévu, je bosse dessus depuis deux ans déjà. C’est une rétrospection mais j’ai du mal à me lancer parce que chaque année je prends du niveau en technique et quand je reviens sur mes trucs d’il y a un an ou deux, je me dis que je ne peux pas les présenter. Une fois que c’est peint et écrit ça ne m’intéresse plus, je balance et basta. Donc revenir dessus, faire un bouquin, je trouve ça très compliqué. Je me demandais si je n’allais pas faire un gros bouquin, de 200 pages, un super beau livre et en peindre la couverture à la main. C’est un bouquin que je vendrais 100-200 balles, avec plus de 300 Mimils dedans. Un truc fait pour les collectionneurs quoi. En tirage limité. J’en avais déjà fait un en 2017 mais avec un bouquin on gagne que dalle, après ça pérennise le boulot et ça circule vachement bien…

-Vous avez donc pas mal de projets en tête? 

Selor-Oui. Pour ce qui est des fresques, j’ai repéré un mur vers Mériadeck, il est moche à souhait et dégueulasse. Après il y a beaucoup d’incertitudes, même si la mairie est ok, ils ne vont peut-être pas vouloir financer la nacelle, donc j’en sais rien. Je veux bien faire plein de gros murs mais s’ils ne me rémunèrent pas un minimum…

-Le confinement a été un moment critique pour beaucoup mais aussi une opportunité de création, comment est-ce qu’il a impacté votre art ? 

Selor– J’étais sur un projet avec un hôtel, Victoria Garden sur le cours de la Marne, avec A-Mo, on a fait des fresques là-bas, plusieurs murs. Donc on a bossé là-bas avec nos dérogations. Sinon j’ai fait des toiles, je devais exposer chez Bernard Magrez le 2, c’est repoussé. Moi je pense que j’aurais toujours une certaine clientèle parce que les gens qui ont les moyens de s’offrir de l’art, en parallèle d’être aussi ceux qui ont parfois le moins de temps pour s’y intéresser, ce sont ceux qui ne sont pas trop affecté par une crise. Ça ne va pas énormément changer de choses, peut-être moins bosser avec les écoles. J’en fais trois-quatre par an, des murs avec elles. En général ce sont des petits projets, des petits murs tranquilles, à part à St Joseph de Tivoli où j’ai fait un mur de 12 mètres de haut quand même à la nacelle. Ça fait plaisir d’avoir des grosses surfaces comme ça, c’est ce que je recherche dans le centre pour pouvoir pérenniser mon travail. Imaginons, je m’en vais, l’année prochaine ou dans deux ans il n’y a plus rien. C’est mon but à Bordeaux. 

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Mono Gonzalez est une référence de l’art urbain chilien et latino-américain. Il a été co-fondateur des célebres “Brigadas Ramona Parra” (BRP) qui ont recouvert les murs des villes et des villages du Chili avec des peintures murales qui illustraient les idées du Programme d’Unité Populaire de Salvador Allende, jusqu’au coup d’état militaire du 11 septembre 1973.

Depuis le mois de mars (avant le confinement) il expose ses dernières oeuvres en toile et sérigraphie dans la galerie Magnetic Artlab de Bordeaux (1 Place Avisseau, 33300 Bordeaux). Une exposition, intitulé “Dignité“, qui continue jusqu’à fin juin et qu’il faut vraiment aller voir pour entrer dans l’univers de ce magnifique artiste.

Par un après midi ensoleillé, nous l’avons rencontré dans la galerie et on a pu parler avec lui (derrière nos masques) et lui poser quelques questions sur cette exposition, sur l’art urbain ainsi que sur sa vision de l’art en général. Voici ses réponses :

*Y a-t-il une unité dans l’exposition, un thème qui unifie toutes les œuvres que nous voyons dans cette exposition ? ou s’agit-il plutôt d’une série d’œuvres sans lien entre elles ? 

Oui, en effet il y a une unité et un sens dans cette exposition. C’est pourquoi nous lui avons donné un nom, elle s’appelle « Dignidad » (Dignité). Au Chili, nous avons un réveil social très fort et qui est toujours très vivant. Et avec ce mouvement il y a des espaces qui ont été conquis. Un espace central, qui est comme un lieu zéro de ce mouvement, c’est La plaza de la dignidad (La place de la dignité). Un lieu où convergent tous les mouvements sociaux, où ils se réunissent pour une heure de protestation tous les vendredis. C’est pourquoi l’exposition s’appelle “Dignité”. Pour moi, dans cette exposition, il y a derrière un concept qui inclut les peuples indigènes, les migrants et la nature, qui sont les trois thèmes principaux de mon travail. Ces thèmes sont la représentation des luttes sociales actuelles : les peuples mapuches, un peuple originaire du Chili qui a été chassé de leur terres par les blancs ; le changement climatique et la nature avec tous les dérèglements qu’on voit partout ; et aussi les migrants, qui est un thème universel : ces gens qui vont et viennent d’un côté à l’autre de la planète. Par exemple moi, je suis un migrant ici, quand je suis en France. Je pense donc que nous sommes toujours des étrangers. Et pire encore, il y a des peuples comme les Mapuches qui maintenant sont des étrangers sur leurs propres terres !

Justement, si l’on parle de l’immigration et des étrangers, j’ai l’impression que vous avez une relation très forte avec la France ?

Je suis venu ici plusieurs fois en France, surtout pour peindre. À Bordeaux, j’ai peint une fresque à l’université. Et c’était très intéressant parce que ce n’est pas une peinture murale réalisée en un seul voyage. Je suis venu ici pendant trois ans et cela s’est fait petit à petit jusqu’au moment que la peinture a été terminée. Et c’est intéressant car c’est une œuvre, une unité, il y a un concept derrière qui sert à décider comment on va couvrir cet espace, mais le travail a pris du temps, je l’ai construit petit à petit. Et les thèmes sur ce mural sont les mêmes que ceux que vous trouvez dans cette exposition, la nature, les peuples indigènes, etc.

Toujours à Bordeaux, j’ai aussi participé à une pièce avec Seth (artiste d’art urbain français), qui a été réalisée pour une exposition à l’Institut Bernard Magrez. Ensuite, j’étais aussi dans d’autres endroits en France, à Paris l’année dernière, je peignais et je faisais des ateliers. Maintenant que j’y pense, il est vrai que je suis beaucoup venu en France. C’est probablement la dernière fois ! Je commence à vieillir.

 Et à Bordeaux, eh bien, en dehors du travail, il y a l’amitié qui m’unit avec de nombreux Chiliens exilés qui sont venus s’installer ici pendant la période de la dictature au Chili. Et puis Valérie Joubert, professeur à l’université Bordeaux Montaigne, je l’ai rencontrée il y a des années parce qu’elle a fait des recherches, dans les années 1990, sur l’art urbain chilien et les brigades avant et après la dictature, et je l’ai bien aidée comme guide.

Et si nous parlons des brigades et du muralisme, avez-vous l’impression de faire partie de la tradition muraliste latino-américaine ? Il me semble que votre art diffère beaucoup, par exemple, de la tradition mexicaine, qui est l’un des piliers du muralisme, n’est-ce pas ?

Il y a un problème que je souligne toujours. Dans le cas du muralisme, il y a trois aspects : le muralisme religieux et idéologique, comme au Vatican, il y a aussi le muralisme associé au pouvoir, dans les palais par exemple. Et il y en a un autre, qui est mexicain, qui a plus à voir avec les luttes sociales et le peuple, il a à voir avec la façon dont ils sont représentés, dont les espaces sont remplis au fur et à mesure qu’ils sont conquis par le peuple. Mais dans tous ces cas, il s’agit d’un muralisme intérieur, d’un muralisme d’auteur. Comme il s’agit d’un muralisme d’auteur et d’intérieur, il n’est pas anonyme. Celui de la rue l’est. Celui de la rue, l’art urbain, est éphémère, il est anonyme et, de plus, très important, le spectateur est en mouvement. Le spectateur n’a pas besoin d’aller la voir, mais il rencontre plutôt la fresque. En arrière-plan, l’art urbain « provoque » la vue du spectateur. Il y a donc une très grande différence entre les lois visuelles de la peinture de rue et de la fresque d’intérieur.  Dans l’art urbain, la peinture murale de rue est également collective, participative, elle provoque la vue du spectateur, parfois elle est « contingente ». La fresque de rue est une histoire de contingence, une histoire du moment que nous vivons et, comme elle est éphémère, elle remplit un cycle de temps. Elle est toujours éphémère. Dans la rue, la fresque est toujours transformée, avec la lumière, le climat, le mouvement et elle est aussi très spontanée. Et aussi anonyme – vous voyez, je ne signe pas mes fresques. Mais tout cela, leur caractère éphémère, anonyme et collectif, ne signifie pas qu’elles ne sont pas de qualité.

Mais nous devons également tenir compte du fait que, de nos jours, il y a des choses qui changent à propos des fresques murales dans la rue, de l’art urbain. Aujourd’hui, par exemple, il existe de très bons rapports sur ce qui se fait dans la rue. Photo et vidéo. Et ce qui est effacé en arrière-plan est enregistré. Et donc le concept change aussi, il y a une vision différente.

Ainsi, si le muralisme mexicain est une référence, il y a beaucoup plus de choses, une grande variété, en Amérique latine ! Il y a les muralistes du Brésil, par exemple, les muralistes de rue qui peignent dans les favelas. Et bien sûr, leur langage est différent ! En Colombie, il y en a beaucoup aussi d’art urbain, et même les muralistes mexicains de rue aujourd’hui sont différents de Diego Rivera.

Et en parlant de l’évolution de l’art urbain, aujourd’hui les artistes de rue exposent dans des salles d’exposition, des musées et des galeries. Il y a beaucoup de critiques car beaucoup de gens disent que cela perd le caractère rebelle de cet art…

Oui, ça c’est possible. La spontanéité est perdue, le public change et l’œuvre est fermée. On voit qu’aujourd’hui ceux qui alimentent les grandes galeries du monde entier sont les artistes urbains. Parce que c’est aussi un segment important et qu’il se vend bien. C’est quelque chose qui a changé dans l’art. Auparavant, les peintres avaient un galeriste qui boostait leurs œuvres et qui investissait même dans celles-ci. Aujourd’hui, cela n’existe plus. Mais les peintres de rue s’en fichent de tout ça parce qu’ils peignent dans la rue, les gens les voient et les reconnaissent souvent. Ils n’ont pas besoin de publicité car la rue c’est leur publicité. Le marché de l’art a changé et l’art urbain est entré sur le marché.

Ensuite, dans mon cas, je pense que c’est différent, parce que mon travail concerne les luttes sociales et que mon truc c’est de questionner et de dialoguer sur les problèmes sociaux. La galerie devient donc une continuité, un nouvel espace pour générer cette discussion. Et dans ce cas, je me sens un peu comme un “provocateur” social. Ici, par exemple. Le fruit de cette exposition, dans cette galerie, c’est aussi que nous parlons aujourd’hui. Probablement vous allez publier un article sur cet art et le traduire en français. Et vous allez donc parler des Mapuches et de leur place dans mon art. Et plus de gens vont découvrir ce qui se passe. Ils vont chercher à savoir qui sont les mapuches et ce qui s’est passé avec eux. Vous voyez, mon truc, au-delà du visuel, c’est aussi le mot. C’est de ça qu’il s’agit, de ce que nous communiquons. L’important c’est que les problèmes chiliens ou latino-américains deviennent universels et mon art est un outil pour le faire.

Alors, l’art n’a-t-il pas perdu sa capacité critique face au monde ?

Le marché a absorbé une grande partie de la force critique de l’art. Il est vrai que lorsque l’on est dans la rue, il existe un langage plus efficace politiquement, plus de lutte, plus d’éducation et de mobilisation.  Mais il finit, ou il peut finir, par être absorbé par les discours hégémoniques et est neutralisé. La contre-culture est neutralisée par le pouvoir. Il existe de nombreuses façons de le faire. Pendant la dictature au Chili, la première chose qui a été faite a été d’effacer les peintures murales afin d’effacer le message. La violence est un moyen de neutraliser l’art. Une autre voie est celle de la répression. Aujourd’hui au Chili il y a de la répression. Par exemple, à Santiago, il y a un bâtiment très haut à partir duquel des interventions artistiques avec des lumières ont été faites. Ils ont projeté des mots comme “faim”. Hier soir, au Chili, des camions de l’État sont venus, avec des lumières géantes, pour éclairer le bâtiment afin que ce mot ne puisse pas être projeté. En d’autres termes, il y a toujours une lutte pour censurer et contrôler ce qui est dit, le questionnement que l’art produit.

Et il y a aussi une dernière façon de neutraliser qui est d’absorber et de neutraliser. Au fond, l’art est une lutte idéologique. Et c’est une chose pour laquelle l’artiste doit aussi se battre, pour maintenir, pour garder son discours, pour le partager, pour le rendre évident.

Par exemple, dans cette exposition, nous voyons les masques que j’ai peint, qui représentent les peuples autochtones, avec leurs masques colorés et leurs plumes. Nous, les artistes, devons faire partie d’un processus de création et d’amélioration de l’estime de soi du peuple. Il est donc important que l’art gagne autant d’espace que possible. C’est une lutte constante avec la culture hégémonique, un “tir à la corde”. Et dans l’art, je représente le peuple, ces autochtones, et peut-être qu’ils se diront « il y a des gens, des artistes, qui nous représentent », et cela leur donne de l’espoir.

Enfin, pour moi, l’important c’est le dialogue, que les gens dialoguent avec mon travail. Ce n’est pas important pour moi que l’œuvre soit innovante. Les installations et les choses de ce genre ne sont pas tellement mon style. J’appartiens au vieux monde.  Je parle beaucoup avec d’autres personnes quand je peins, avec des jeunes, et c’est pourquoi j’aime peindre dans la rue. Le dialogue social est ce qui m’intéresse, et le travail est un moyen. L’art a de la force, et c’est pourquoi je continue à peindre, à voyager, et à parler avec les gens. 

Magnetic Artlab

Berceau de contre-culture et incubateur de concepts, la galerie Magnetic ArtLab a pour ambition de décloisonner les pratiques polymorphes et de cristalliser les énergies autour d’une ligne contemporaine, figurative ou abstraite, lyrique ou subversive.

La galerie est ouverte du mercredi au samedi de 14h00 à 19h00

Plus d’information sur l’exposition, sur le site web www.polemagnetic.fr, ou sur facebook.

*Traduit de l’espagnol par notre rédacteur.

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