Envoutants, fascinants et intrigants, les mapping et créations de ce collectif ont pu être admirés aux Bassins de Lumières mais également dans divers autres endroits. Organ’Phantom est une association bordelaise qui fête cette année ses 10 ans, l’occasion d’un retour sur leurs réalisations mais aussi d’un avant-goût des belles choses à venir. Dans cette interview, nous avons eu la chance de rencontrer la directrice artistique de l’association : Marie Laverda.

Marie Laverda, vous êtes la directrice artistique d’Organ’Phantom, pourriez-vous nous présenter brièvement le collectif ? Son histoire et ses ambitions ?

L’association Organ’Phantom créé et diffuse des projets artistiques évoluant dans les champs des musiques à tendance électronique et des pratiques artistiques numériques, c’est ainsi qu’elle a fondé son festival ECHO A VENIR en 2012. Spécialisée dans le video mapping depuis plus de 10 ans, l’association développe en parallèle son pôle « création d’œuvres numériques » avec son collectif d’artistes. Nous sommes donc à la fois diffuseurs d’œuvres mais aussi créateurs et avons un rôle éducatif via des ateliers, cela demande de l’organisation et des réunions. Nous décidons à plusieurs, c’est un travail d’équipe avant tout.

Vous êtes tournés vers l’art numérique, par le mélange des musiques électroniques et des arts visuels, pourtant cela reste encore une forme d’art peu institutionnalisée et peu reconnue, pourquoi ce concept ?

L’association Organ’Phantom a été créé avec les anciens membres de la salle de concerts le Son’Art à la Victoire. La salle avait une programmation musicale très éclectique avec une préférence pour la programmation de musiques hybrides. En poursuivant dans le mélange des genres artistiques, l’association programme des pièces pluridisciplinaires, dans la continuité de ce qu’elle faisait déjà, en associant des disciplines différentes (danse, vidéo, field recording, musique électronique, live, orgue, harpe etc.).

Vous avez également travaillé avec les Bassins de Lumière autour du projet Anitya, une expérience immersive aux Bassins des Lumières. Comment s’est passée la collaboration ? Et la réalisation de l’œuvre, tant pour le mapping que le field-recording ?

Nous avons démarché les Bassins de Lumières avec des propositions et avons été retenu sur le projet. Monsieur De Cointet a suivi notre création, de l’écriture jusqu’à la diffusion. Il nous a donné quelques conseils techniques, toujours à l’écoute et très disponible. Nous avons pu avoir accès à la Base sous-marine pour toutes nos captations mais les dernières étapes de travail se sont faites lors du premier confinement, donc en télétravail. Cela n’a pas été facile, mais nous y sommes arrivés.

Le collectif fête cette année ses 10 ans, pourriez-vous nous faire une petite rétrospective sur ce que vous jugez comme les plus beaux accomplissements menés ?

Nos actions ont été très diverses, nous avons par exemple commencé à organier les 20 ans de Ninja Tune, Warp rec, mais aussi les 20 ans de carrière de DJ Krush et ce, dès le début de la création de l’association.

Par la suite nous avons fondé notre premier festival ECHO A VENIR dont les créations originales les plus marquantes sont : Artefact (avec Joanie Lemercier), Gatcos (avec M.SAYYID d’Antipop Consortium), Mirage Ô Miroir (avec Yosi Horikawa).

Dans le cadre de la Semaine Digitale nous avons produit Mécaniques Discursives (ANTI VJ) puis dans le cadre de collaboration à des expositions nous avons reçu le concert des mythiques Underground Resistance. Nous répondons également à des commandes artistiques, ce qui a permis la naissance d’Anitya (aux Bassins de Lumières), de Dès l’Aube (lors des Journées Européennes du Patrimoine, Chuchotis et Brouhaha (sur la Cathédrale Saint André en décembre 2020).

Vous avez parlé du festival “Echo à venir” que vous avez créé. Il est tourné vers la musique électronique et les arts visuels, les dernières éditions ont dû être annulées à cause du Covid, comment envisagez-vous le futur ?

Pour l’instant nous travaillons sur des projets « COVID compatibles ». Notre action s’organise donc autour de résidences, de répétitions, de créations numériques et nous préparons une reprogrammation de Dès l’Aube pour les Journées Européennes du Patrimoine 2021. Elle sera visible le 18 septembre au Palais Gallien. Avec du public cette fois !

L’année dernière, la mairie de Bordeaux vous a chargé d’organiser le mapping de Noël sur la Cathédrale. Avant cela vous aviez également utilisé la cour Mably, le Palais Gallien et la Bourse du travail comme support, comment le choix des bâtiments se fait ? Comment procédez-vous pour les mettre en valeur grâce au numérique ?

Nous commençons par des recherches, nous nous documentons avec les aides des services de la ville concernés (patrimoine, architectes etc.) sur la partie création de contenu artistique. Ensuite, pour l’implantation, nous essayons au maximum de nous intégrer dans les espaces de manière harmonieuse pour une mise en valeur des sites tout en respectant l’existant : un dôme sur la rosace au sol de la fac de Bordeaux II, un mur d’eau en arc de cercle encadré dans la lignée des arbres le long de la Garonne, une fresque dans la cour Mably en se servant des arches pour un trompe l’œil « fenêtre sur l’extérieur », une harpe sous les voûtes du Palais Gallien, etc.

Quelles sont les émotions et les ressentis que vous visez à provoquer chez vos spectateurs ?

Tous types d’émotions ! Cela peut être de l’oppression avec Anitya dans les Bassins de Lumières, de la nostalgie avec Chuchotis et Brouhaha, de l’émerveillement avec Mirage Ô Miroir. Chaque ressenti est unique à chaque personne.

Nous avons évoqué cette année anniversaire, fêtée par une compilation de vos créations originales, à quoi faut-il s’attendre pour 2021-2022 artistiquement ?

Encore des créations dont une diffusée outre-Atlantique, et toujours des projets engagés : créer et diffuser est une chose, véhiculer un discours pour des causes qui nous semblent de nos jours au cœur de toutes les problématiques actuelles (l’écologie, la culture pour tous, la mixité, la parité) est pour nous important.

Liens utiles :

Site internet d’Organ’Phantom 

Réseaux sociaux : Facebook / Instagram

Crédit photo : Organ’Phantom, Radio France, Jonas Laclasse et Pablo Gracias

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Organo, manifestation artistique autour du corps et des arts visuels présente une 6^e édition débordante et saturée sur le thème « Couleur augmentée ». La biennale se tiendra du 29 mai au 6 juin prochain aux Vivres de l’Art. Cet événement, véritable laboratoire de découvertes et d’expérimentations artistiques, présente une exposition et des performances où visiteurs, plasticiens, performeurs, vidéastes, photographes et universitaires peuvent se rencontrer et échanger dans une ambiance chaleureuse et conviviale. Rencontre avec Nathalie Canals, sa fondatrice !

« Organo, la biennale cyberpunk la plus innovante de notre monde de l’art à l’état gazeux » Bernard Lafargue, critique d’art

Pour commencer, est-ce que vous pourriez vous présenter, nous parler de votre parcours ?

Je suis la fondatrice et la Directrice artistique de la biennale Organo et de l’association Totoche Prod, structure organisatrice de l’événement. Pour ce qui est de mon parcours d’études, j’ai obtenu une maîtrise d’information et de communication au SICA (Science de l’Information, de la Communication et des Arts) à Bordeaux puis quelques années plus tard, en formation continue, j’ai suivi le DU « Conception de projets et médiation culturelle » ainsi que « Technologies du multimédia ». J’ai également suivi les cours d’art contemporain & de design graphique durant 4 années aux auditeurs libres des Beaux-Arts de Bordeaux. Pendant de nombreuses années, j’ai été chargée de communication dans le milieu socio-culturel et artistique (danse, théâtre, musique) et travaille depuis une dizaine d’année à l’éducation nationale.

En parallèle de mes activités professionnelles et suite à mon engagement militant à l’association Lesbian & gay Pride Bordeaux avec laquelle j’ai organisé 3 expositions autour du corps queer, mon goût pour l’art contemporain m’a amenée à fonder en 2005 l’association Totoche Prod afin de produire (créer, concevoir) des événements artistiques qui permettent de concrétiser toutes les idées et tous les projets qui bouillonnaient dans ma tête ! Depuis sa création en 2005, une trentaine d’événements (expositions d’art contemporain & performances) ont été organisés et plus d’une centaine d’artistes ont été présentés. Aujourd’hui, l’événement phare de l’association est la biennale ORGANO que j’ai créée en 2011.

Quel est votre rapport à l’art en général et plus précisément aux arts visuels tels que mobilisés pendant Organo ?

Aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours été très attirée par les images. Pour la petite anecdote, j’ai très tôt réalisé des collages dans lesquels je transformais les corps en êtres hybrides, je leur changeais les yeux, leur échangeais la tête, leur mettais des corps d’animaux… Au fil du temps, mon attirance pour l’esthétique des corps transformés, mutants et des personnages excentriques m’ont amenée à découvrir le travail artistique d’ORLAN, de Matthew Barney et de Leigh Bowery. Cela a fait l’effet d’une révélation, d’une évidence !  Le sujet du corps dans l’art contemporain, notamment le corps hybride, augmenté, transformé ou encore numérique, est devenu « mon » sujet. Les thèmes des biennales y sont d’ailleurs directement connectés.  Proposer des réflexions plastiques et esthétiques sur les corps contemporains et ses représentations dans les arts visuels actuels constitue la colonne vertébrale de la biennale. L’art est vivant, il doit bousculer notre perception et notre façon d’être au monde ! 

Organo est-il un évènement engagé ? Si oui, pourriez-vous nous parler des valeurs que met en avant la biennale ?

La biennale se définit comme un événement engagé. Je suis convaincue que l’art est un média essentiel, privilégié pour témoigner de notre perception au monde, de notre modernité et des interactions du corps à notre environnement. Par la singularité de ses thèmes et sa programmation, exigeante et audacieuse, Organo cherche à questionner notre société contemporaine à travers des propositions novatrices et alternatives. 

La biennale est un événement qui se veut inclusif. L’atmosphère conviviale et la politique tarifaire permet un accès à tous ! Pour la prochaine édition, un intérêt particulier sera porté aux personnes en situation de handicap.  Pour cela, nous travaillons en collaboration avec des associations spécialisées. Des visites et des ateliers d’arts visuels seront organisés avec des personnes cérébrolésées et un accueil de personnes malvoyantes sera également possible grâce à la réalisation de plaques connectées.

Nous sommes également engagés sur l’égalité homme-femme. Une attention très particulière est d’ailleurs portée sur la sélection des artistes afin que l’égalité entre les femmes et les hommes artistes soit respectée.

Monter un tel évènement doit demander beaucoup d’organisation, comment faites-vous ?

Le travail d’organisation de la biennale s’articule autour de 3 axes principaux : 

En 1^er lieu, la conception, qui est en quelque sorte l’idée et le choix du thème. Cette partie, solitaire, dans l’ombre, me stimule et me plaît beaucoup ; J’aime particulièrement chercher et repérer des artistes ainsi que réfléchir à des thématiques, et à des lignes esthétiques originales. Mon ordinateur est rempli d’artistes, d’idées, de références et d’images !

La 2^e phase est le choix des œuvres et l’élaboration du projet artistique.  Les œuvres les plus pertinentes ou les plus impertinentes ! en rapport avec le thème sont sélectionnées puis le projet prend forme.

Vient ensuite la 3^e phase où tout s’accélère : le suivi et la réalisation du projet !  Une bonne coordination de l’ensemble des acteurs est essentielle. Car, pour exister, la biennale a besoin de beaucoup de personnes : l’équipe, les artistes, les performeurs, les techniciens, les partenaires, les bénévoles, etc. Et comme les moyens financiers ne sont pas importants, et qu’il y a beaucoup de choses à faire et à penser, l’énergie et l’engagement de tous sont primordiaux!

Vous travaillez avec des partenaires pour monter la Biennale ?

Depuis sa première édition, Organo se caractérise par une organisation qui maximise les ressources pour accueillir et soutenir les artistes dans les meilleures conditions. Elle est donc rendue possible grâce à l’engagement de nos partenaires. Ils font partie intégrante du projet et ont un rôle essentiel à notre réussite. Pour l’édition 2021, nous continuons de consolider les liens avec ceux de longue date. 

Nous avons des partenaires très fidèles qui nous accompagnent depuis plusieurs années ! Les Vivres de l’Art nous accueillent depuis 2017; la recyclerie D’éco Solidaire nous fournit du mobilier de récupération pour la scénographie, Boesner nous fournit du matériel,  le laboratoire de recherche MICA de l’université Michel de Montaigne à Bordeaux participe activement à nos conférences, le château Marzin organise des dégustations de vin, le salon de thé bio Chat noir Chat vert accueille nos réunions tout au long de l’année et  assure la restauration de la biennale ou encore la librairie Mollat qui met à disposition sa vitrine du rayon Arts avec l’affiche d’Organo et une sélection de livres thématiques.

Nous mettons parfois aussi en place des partenariats ponctuels, comme par exemple, Arts promotion Centre Finlande qui nous permis d’accueillir l’artiste franco-finlandaise Christelle Mas pour Organo #5 ou encore l’Ecole Nationale Supérieure d’Arts de Paris Cergy qui a permis à l’artiste parisien Adrien Blatzezyk de présenter des tirages de grande qualité pour la biennale Organo #4.

Cette année, nous travaillons avec l’association KLAC (Kaléidoscope Laboratoire Culturel) et nous nous associons à de nouveaux partenaires comme TCA association Tout Cérébrolésé Assistance, Kleidi de l’Université Bordeaux Montaigne qui, par un dispositif de plaques connectées, permet l’accès des œuvres aux personnes malvoyantes ou encore le Saki Noir avec qui nous organisons des workshops et des ateliers numériques « Le son des couleurs ».  

Est-ce que vous pourriez me parler de l’équipe qui travaille sur le projet ?

La biennale Organo est donc organisée par l’association Totoche Prod, une petite équipe féminine, bénévole et très investie avec Marie-Elisabeth Siberchicot présidente, Aurélie Martinez, secrétaire, Ophélie Ahmad Adnet, trésorière puis Sophie Sourillan, scénographe et coordinatrice artistique, et moi-même.

La charge et la spécificité du travail devenant de plus en plus exigeantes et pointues au fil des éditions, Organo s’est dotée d’un régisseur professionnel, Marc Simon et d’un chargé de projets Carlos Olivera (Association KLAC).

Organo c’est aussi des bénévoles fidèles et indispensables, Estelle, Marie-Noëlle, Dominique, Inès, Alexandre, Audrey, Mathieu, Alexandre, Anne, Laure …

Qu’est-ce que vous cherchez à produire comme effet sur les visiteurs de cet évènement ? Une émotion ? Une réflexion autour du corps ?

L’idée d’Organo est vraiment de créer un espace convivial, créatif, dynamique et bourré d’énergie, un lieu de rencontres et d’échanges qui amènent les visiteurs à découvrir des œuvres inattendues, hors normes qui les interrogent sur l’art, le corps contemporain et sur la société d’aujourd’hui dans une ambiance chaleureuse voire festive !

Le corps est un objet artistique et politique, il est un moyen privilégié de véhiculer des messages, de questionner notre environnement ou de montrer qui nous sommes. Même si Organo s’oriente plutôt vers les thématiques des corps hybrides, transformés, augmentés et qu’elle relie souvent l’art à la science, il n’en reste pas moins que ces regards restent des sujets politiques, sociaux qui questionnent sans cesse notre rapport au monde et notre devenir.

Aujourd’hui, dans une époque du tout numérique, où les nouvelles technologies sont omniprésentes et où le corps semble mis à mal par la société, notre rapport au corps est vraiment en plein mutation.

« Couleur augmentée », que faut-il entendre par le thème de cette année ?

Depuis sa première édition en 2011, la biennale Organo a toujours réussi à créer des univers déjantés, hors normes et inattendus !  Chaque édition, pensée comme une création, met en scène une vingtaine d’artistes plasticiens et de performeurs renommés. Cette effervescence artistique autour d’une thématique singulière pour chaque édition, permet des moments et des découvertes artistiques intenses. La richesse des propositions laisse la part belle à la créativité et permet à Organo d’être un espace de réflexions plastiques et esthétiques autour de ces deux notions, corps et explorations artistiques innovantes.

La 6^ème édition de la biennale Organo se propose de créer un événement ultra-coloré, où les artistes sont invités à s’interroger sur notre perception de la couleur et nos capacités à les transformer, à les amplifier. Nous connaissons l’humain augmenté, résultant de modifications corporelles visant à améliorer ses performances et à augmenter ses capacités. La réalité augmentée désigne une interface virtuelle, en 2D ou en 3D, qui vient enrichir la réalité en y superposant des informations complémentaires. Qu’en est-il de notre perception colorée ? Sommes-nous en capacité de l’amplifier ?  Qu’expriment alors des couleurs augmentées dans les pratiques artistiques actuelles analogiques, numériques et connectées ? 

L’édition s’annonce très colorée avec 20 artistes aux propositions très diversifiées ! Des œuvres numériques surprenantes comme celles de Laurent Crevon qui traduisent les processus binaires sous-jacents d’images et de films en informations visuelles, les immenses photographies de Laurent Chiffoleau qui nous donnent à voir un intérieur ultra colorisé de nos neurones, il y aura beaucoup de belles découvertes !

Pour le moment, nous avons décidé d’annuler les performances et de maintenir l’exposition. Mais il est possible que les Vivres de l’Art ne puisse pas ouvrir leurs portes ! Si c’est le cas, nous reporterons l’ensemble de l’événement en mai 2022.

Liens utiles :

Site de la biennale

Page Facebook d’Organo

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Suite à la léthargie due à la crise sanitaire, les lieux d’art rouvrent progressivement. L’inauguration des Bassins de Lumières, le plus grand centre d’arts numériques au monde, marque cette reprise de la vie culturelle bordelaise.

Imaginé par Culturespace, les Bassins de Lumières n’est pas une première pour l’entreprise qui compte déjà deux autres lieux similaires : les Carrières de Lumières aux Baux de Provence et l’Atelier des Lumières, ouvert en 2018 dans le 11^e arrondissement de Paris. 

Les Bassins de Lumières prennent vie au sein de la Base sous-marine de Bordeaux, ancien bunker de la Seconde guerre mondiale destiné à accueillir des flottilles de sous-marins allemands et italiens. Situé dans le quartier de Bacalan, la structure brute du bâtiment se détache sur le fond des immeubles flambants neufs et des chantiers de construction. Figure intemporelle et massive, elle accueille depuis les années 2000 des expositions et des événements culturels. C’est en 2017 que la mairie a décidé de confier l’exploitation de quatre des onze alvéoles afin de les transformer en espace d’art.  

Du béton, de l’acier, de l’eau: un écrin brut pour une exposition construite sur la projection et les jeux de lumières. L’expérience artistique est magnifiée par la performance technique de G. Iannuzzi, R. Gatto, M. Siccardi et L. Longobardi, créateurs de cette exposition immersive. Les Bassins de lumière, ce sont 13 000 m² de superficie totale, 90 vidéos projecteurs et 80 enceintes animant cette ancienne base militaire. Les rappels à la nature et à l’histoire particulière du lieu sont constants. Ainsi dans la première partie de l’exposition on  voit apparaître des portes métalliques laissant pénétrer un sous-marin. Témoignage historique de l’utilité première de ce lieu, désormais dédié à l’art. 

La spécificité de cette structure d’art réside dans les jeux de reflets créés par l’eau. Le spectateur déambule le long de passerelles surplombants les bassins, la réflexion des projections ondule sur l’eau. L’immersion est totale et les reflets aquatiques lui confère des allures oniriques et poétiques. 

L’exposition 2020 s’articule en trois tableaux : une animation historique sur la Base sous-marine, un format long dédié à Gustav Klimt et un programme court sur Paul Klee. 

A peine les portes massives de la Base franchies, le spectateur est plongé dans le noir. Cette perte de repères ne fait que mettre en exergue la sollicitation des sens nécessitée par le début de la projection. La lumière et le son rompent l’obscurité. On se sent minuscule face à l’immensité du lieu et au spectacle se déroulant sous nos yeux. Les murs se parent de couleurs, et ainsi commence le ballet des tableaux qui apparaissent et disparaissent dans la première partie de l’exposition intitulée « Gustav Klimt, d’or et de couleurs ». Elle dévoile l’œuvre de l’artiste au sens large, allant de ses portraits, aux paysages, en passant par ses nus, et sa période dorée. Le jeu constant de la matière et des sensations fascine, les murs deviennent végétaux lorsque les arbres et les fleurs se mettent à les recouvrir en un tableau envoûtant. La révolution portée par la Sécession viennoise (courant artistique autrichien rattaché à l’Art Nouveau) s’illustre délicatement sur les murs de bétons : l’or et les motifs décoratifs prennent possession des lieux pour le plus grand plaisir des spectateurs. 

Le deuxième programme proposé met en avant un peintre et musicien dans « Paul Klee, peindre la musique ». Les œuvres colorées et abstraites de l’artiste germano-suisse possèdent cette naïveté et ce trait enfantin tout en témoignant de la richesse technique et imaginative de l’artiste, son œuvre prolifique comptant plus de 10 000 dessins et esquisses. Violoniste, la musique a eu une grande importance dans sa vie et a fortement influencé ses peintures et ses sculptures. L’exposition s’appuie sur ces harmonies et mélodies pour faire pénétrer le visiteur dans son univers imaginaire. Que ce soit dans un monde subaquatique peuplé de poissons multicolores, au milieu d’êtres étranges ou de simples formes géométriques, ses gammes picturales nous y transportent au rythme des airs de Mozart. 

Les Bassins de Lumière jouent avec notre perception du temps, les quarante minutes de l’exposition filent à toute vitesse. L’exposition va encore plus loin  pour déboussoler les spectateurs : les repères spatiaux sont eux aussi remis en question au sein du Cube.

Ce dernier espace à découvrir est une pièce de 220 m2 et de 8 m de haut. Elle se distingue du reste du lieu de l’exposition par ses parois lisses et blanches, se prêtant parfaitement à ce rôle de toile. Le Cube accueille deux créations d’art contemporain immersif portées par des artistes confirmés ou émergents travaillant avec ces technologies. 

La première « Anitya », production d’un collectif bordelais, plonge le spectateur à l’intérieur d’un sous-marin allemand de la Seconde Guerre mondiale lors d’une promenade conduisant à un chaos graphique, déconstruisant les composants de l’appareil et les offrants au regard du visiteur. 

La seconde, « Ocean data », est le fruit du travail d’un groupement d’artistes turcs, et utilise les talents d’une Intelligence Artificielle. Cette dernière a traité les données statistiques captées dans les mers et les a traduites grâce à un algorithme en formes, sons, lumières, et mouvements évoquant les espaces marins. Le potentiel du Cube est pleinement utilisé. Grâce à ces images en mouvement constant, une impression de déséquilibre surprend le spectateur qui se sent tanguer au rythme de cette oeuvre digitale unique. 

Une immersion réussie, une parenthèse enchanteresse qui ne vient se briser que lorsque les rayons du soleil viennent aveugler le spectateur une fois sorti de ce cocon sombre et poétique. 

Liens utiles :

Les Bassins de Lumières : https://www.bassins-lumieres.com

Ouchhh : http://www.ouchhh.tv

Organ’Phantom : https://organphantom.org/en/music-et-digital-art/

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