Au sein de l’association KLAC nous avons eu une saison printemps-été remplie de projets qui, après des mois d’incertitude, ont finalement vu le jour : des expositions ont pu se réaliser malgré la complexité de la situation et de nouvelles aventures ont débuté donnant d’ores et déjà de beaux fruits ! 

C’est la semaine de l’Amérique Latine et des Caraïbes qui a lancé le bal en mai  avec l’exposition « Plantas maestras » organisée par l’association bordelaise MACLA, en partenariat avec KLAC ! Comme d’habitude avec les événements MACLA, les deux semaines d’exposition ont été enrichies par des conférences. Celle sur l’Ayahuasca, réalisée par l’artiste Sylvain Baudouin, a eu beaucoup de succès. Une autre conférence, théâtralisée, s’est tenue autour du maté, cette boisson traditionnelle de l’Argentine et de l’Uruguay. Elle a été réalisée par Sebastian Aguirre et organisée avec la complicité de la Maison du Pérou. 

Notre marathon de printemps s’est poursuivi avec la présentation d’un projet qui a eu un succès important et inattendu et qui aura une suite dont vous aurez bientôt des nouvelles : « Les rives embrassées, cahiers de poésie péruvienne actuelle ». Ce projet a consisté en la création et la publication d’un carnet de poésies de jeunes auteurs péruviens en format bilingue. Réalisé lui aussi dans le cadre de la SALC et avec le soutien de la Mairie de Bordeaux, ce projet cherche à faire connaître l’actualité de la poésie péruvienne en France et à initier un dialogue entre les cultures. Cette publication a éveillé beaucoup d’intérêt du public et des institutions. La présentation fût réalisée au marché de Lerme avec un public très nombreux et intéressé pour découvrir la poésie péruvienne. Ce projet a aussi attiré l’attention de l’Alliance Française de Lima et de l’Ambassade de France au Pérou, avec qui on a créé un partenariat pour continuer à éditer des livres de poésie péruvienne bilingues ! 

Le bonheur de réaliser des projets après des mois de préparation s’est matérialisé avec la 6^ème édition de la biennale Organo, de l’association Totoche Prod. Un événement ultra-coloré où les artistes ont été invités à s’interroger sur notre perception de la couleur et nos capacités à les transformer, à les amplifier….Tout un succès avec une fréquentation de plus de 800 visiteurs et le soutien de la Région Nouvelle Aquitaine, la DRAC et le Conseil Départemental de la Gironde ! C’est vraiment une énorme fierté pour KLAC d’avoir participé à la réussite de ce projet. Un coup de cœur pour le Métacoloric Box, un projet de l’artiste Juliette Pélinard accompagnée par KLAC et Totoche Prod, et qui propose au public une expérience immersive, interactive, et haute en couleurs. À travers cette installation aux allures de photomaton psychédélique, futuriste et sciencefictionnel, l’enjeu est d’amener le spectateur à réfléchir sur sa relation à l’image, à l’écran et à la caméra !  

Deux projets artistiques ont clôturé notre saison d’été en toute beauté. 

Le premier, était une exposition organisée avec l’association Magnetic : FloreSer, du célèbre artiste péruvien Elliot Tupac. Cette exposition d’un des artistes urbains les plus reconnus d’Amérique Latine, qui a eu lieu à la galerie Artlab de Chartrons, nous a permis non seulement de découvrir un artiste formidable avec un univers propre peuplé de couleurs et de positivisme (et je vous avoue que ça fait énormément de bien en ces temps de vie compliquée), mais aussi une personne simplement magnifique, pleine d’humanité, de lumière et de respect. Je n’ai pas peur de dire que toutes les personnes qui ont travaillé sur cette exposition ont été touchées par la lumière d’Elliot Tupac. 

Le second projet qui a clos l’été de KLAC et qui s’est déroulé jusqu’à la mi août, est « Intervalle : entre le réel et l’abstraction ». Un projet proposé par l’artiste Andrea Ho Posani et coproduit par KLAC dans le cadre de Ressources, la Saison Culturelle de Bordeaux. Cette artiste, avec qui on travaille depuis un moment déjà, a proposé une œuvre d’art participative à réaliser dans le parc Pinçon, au sein du Quartier de la Benauge, sur la rive droite de Bordeaux. Intervalle est une œuvre d’art qui propose une abstraction de la réalité architecturale et qui tient lieu de totem : un marqueur d’espace et de mémoire dans un quartier en pleine mutation. Pendant 5 jours, les habitants du quartier ont été invités à dessiner et écrire sur l’œuvre leurs envies et besoins en tant que résidents d’un quartier soumis depuis plusieurs années à des changements. Toute une expérience de partage où les habitants se sont appropriés l’œuvre d’art et où nous nous sommes sentis vraiment accueillis.  

Voilà comment s’est passé notre été ! 

Après quelques jours de repos nous reprenons le travail, avec plusieurs projets pour la saison 2021-2022 et avec plein d’énergie et de motivation ! 

Nous vous en donnerons des nouvelles bientôt ! 

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Des couleurs vives, des autoportraits oniriques, des femmes au milieu d’une nature luxuriante et sauvage, on sent dans les toiles de Victoria Stagni l’inspiration de monuments latino-américains: Frida Khalo, Gabriel Garcia Marquez,…

Cette artiste, née à Buenos Aires d’une mère argentine et d’un père paraguayen, nous fait plonger dans son univers coloré au cours de cette interview.

Emma Callegarin : Comment et pourquoi vous êtes-vous dirigée vers la peinture?

Fille d’architectes, j’ai vu mes parents dessiner toute mon enfance. Comme eux, je voulais devenir architecte à mon tour et je dessinais beaucoup à l’adolescence avec déjà le goût du portrait. Pourtant, je n’ai pas pris cette voie et il m’a fallu du temps avant de m’autoriser à devenir une artiste…

Ma première expérience artistique, je l’ai vécu devant la caméra: j’ai été comédienne pendant plusieurs années. Mais c’est en quittant Paris pour venir m’installer à Bordeaux, il y a bientôt huit ans, que j’ai eu une révélation: je suis tombée sur un vieux chevalet abandonné et me suis dit qu’il n’était pas trop tard pour m’essayer à la peinture. J’ai stoppé net ma carrière de comédienne et, après quelques mois de formation à l’Atelier des Beaux-arts de Bordeaux, me suis lancée pour devenir professionnelle en 2015.

Dans la peinture, j’ai trouvé le mode d’expression artistique qui me convient le mieux: je suis totalement libre et peux créer sans entrave tout ce qui me traverse l’esprit et que j’espère digne d’être représenté. Peindre me permet d’entretenir un flux créatif continu, d’être en prise directe avec mon imaginaire.

Vous avez une approche instinctive ou réfléchie lors de votre processus de création? Quelles sont vos sources d’inspirations? 

Victoria Stagni : La composition de mes tableaux est très précise, très nette dans mon esprit avant même de prendre mon crayon pour tout dessiner. J’aime être en contrôle de l’élaboration de mes travaux, même dans les détails. Le point de départ d’une oeuvre germe en général assez spontanément dans mon esprit, puis j’articule l’ensemble autour de cette idée fondatrice. Je fais essentiellement des portraits – beaucoup d’autoportraits – tout en convoquant un bestiaire qui partage la toile avec le sujet humain. Parfois, un écrin de nature enveloppe l’ensemble mais il survient souvent secondairement dans mes pensées.

En matière d’inspiration, les animaux constituent une source inépuisable. Ils sont une invitation au rêve qui habite mes toiles. L’actualité est à l’origine de certaines de mes toiles, en particulier lorsqu’elle me révolte, souvent lorsqu’il s’agit de la nature, du vivant martyrisé. Inconsciemment, je dois être profondément féministe car je ne peins presque que des femmes. Et bien sûr, je me sers beaucoup de moi comme matériau de base, inépuisable et toujours accessible. Grâce à la peinture, je peux mettre en couleur mes pensées et sentiments de toutes sortes.

Vous êtes connue pour vos toiles, avez vous déjà eu envie de jouer avec d’autres supports?

Je peins exclusivement à l’huile. J’ai besoin de ce toucher, de cette texture sous mon pinceau pour m’exprimer au mieux sur la toile. Et comme je fais grandement passer mes émotions par la couleur, l’huile me semble mieux correspondre à mes attentes. Par exemple, l’acrylique est moins malléable du fait du séchage rapide et les couleurs plus criardes me plaisent moins. Pour le moment, je n’envisage pas l’emploi d’autres techniques, ni d’autres supports, pour mes réalisations artistiques.

On décrit votre trait comme naïf, on y retrouve des airs du Douanier Rousseau, pourriez-vous nous parler de votre style?

Je ne peux pas nier l’influence du Douanier Rousseau sur mon travail. Je lui voue une grande admiration, en particulier pour son travail sur les couleurs. Si, comme lui, je traite la végétation et l’environnement de manière très stylisée, en revanche mes animaux et personnages sont beaucoup plus réalistes que les siens. Et puis, les peintures emblématiques du Douanier sont des paysages irréels, fantasmagoriques, peuplés d’animaux non moins extraordinaires et où les personnages sont le plus souvent assez anecdotiques: toutes ces représentations se situent sur un même plan stylistique. A contrario, je fais essentiellement des portraits où mes personnages sont immergés dans un univers onirique en quelque sorte attesté par la naïveté du décor.

J’ai personnellement beaucoup aimé votre série “Visages”, on y retrouve la centralité de l’Homme mais aussi l’importance des animaux et de la nature. Idem dans la série “Nature et poésie” où les Hommes occupent autant d’espace que les animaux. Vous vous interrogez sur la place de l’Homme au sein du monde?

Effectivement, les toiles auxquelles vous faites allusion invitent à la réflexion sur la place de l’Homme au sein de la nature et, en premier lieu, celle qu’il occupe vis-a-vis de ses frères animaux.

Que serait notre monde sans animaux? Sans cette magnifique biodiversité qui met  toute cette poésie dans nos existences? Je ne peux pas l’envisager… Peindre tous ces animaux, en particulier à mes côtés, c’est célébrer leur beauté mais c’est aussi me cacher, m’évader avec eux loin des autres hommes et de l’absurdité de notre besoin de prédation et de destruction massive! Peindre les animaux est une source d’inspiration sans fin. Même s’ils sont souvent mes alliés sur la toile, je n’oublie pas leur dangerosité latente lorsqu’il s’agit d’autres prédateurs. Alliés et rivaux pour la survie dans ce monde magnifique peut-être bientôt anéanti, voilà ce que nous sommes.

La nature est une des sources d’inspirations de, est-ce qu’elle joue un autre rôle?

J’ai une certaine fascination pour la mer que, paradoxalement, je ne peins presque pas. Peut-être ai-je peur des clichés habituels lorsque l’on peint un rivage avec des bateaux, des rochers, etc. Je préfère l’observer, sentir sa présence apaisante, sa puissance près de moi, que de chercher à la représenter. Je ne suis pas vraiment folle de la campagne et, comme le Douanier Rousseau, la végétation exotique qui sert d’écrin à certaines de mes toiles est purement fantasmagorique.

Au delà de ces considérations sensorielles, je suis très inquiète de voir mes enfants être les témoins de la disparition de cette nature qui colorie le monde si magnifiquement. Je pense souvent à la chanson « Respire » de Mickey 3D.

Née en Argentine, de parents paraguayen et argentin, quel rôle ont joués vos racines dans votre oeuvre? Rajoutant à cela votre vie en France, comment conciliez vous cette double culture franco-argentine?

Mes souvenirs d’un voyage au Paraguay pour rendre visite à ma famille l’année de mes 13 ans ont très certainement nourri mon imaginaire et initié mon goût pour peindre la jungle. Mes origines guaranies du côté de mon père ont une influence sur mon travail: je me sens proche des peuples premiers, j’admire leur pureté et leur sagesse, bien sûr en premier lieu dans leur mode de vie en symbiose avec leur milieu naturel. De l’Argentine, je garde ce sentiment douloureux d’un arrachement brutal à mon terreau originel. Je ne me souviens de rien mais mon corps se souvient… La peur, la tension qui règnent dans certaines de mes toiles restituent sans doute cette idée que le mal n’est jamais loin, même si on ne l’identifie pas clairement au premier abord.

Bien que je me sente profondément française (je suis arrivée en France à l’âge de 4 ans.), j’ai reçu cet héritage culturel d’Amérique latine avec les romans de Garcia-Marquez, Alejo Carpentier, Luis Sepulveda, la musique de Mercedes Sosa ou encore les œuvres de Frida Kahlo. Je suis une héritière de ce réalisme magique.

Vous avez collaboré avec Oboem, projet dans lequel vous remplacez des publicités par de l’art dans l’espace public. Qu’est ce qui vous a donné envie d’y participer?

Oboem était un projet initié par deux jeunes Bordelais, Oliver Moss et Marie Toni, de retour d’un voyage au Chili. A Valparaiso, ils avaient été frappés par la beauté de nombreuses façades de maisons offertes au Street art et cela leur avait donné cette idée de vouloir transformer les villes en musées à ciel ouvert. Pour cela, ils voulaient détourner l’utilisation des panneaux publicitaires au profit de l’exposition d’œuvres d’art. J’ai eu la chance d’être contactée par Oliver et Marie pour faire partie de l’aventure et ai tout de suite trouvé ce projet fantastique! Quelle émotion que de voir un de mes tableaux exposé aux yeux de tous sur des abris-bus au centre de Bordeaux! Après cette réussite grâce au déploiement d’une belle énergie, hélas les deux fondateurs d’Oboem n’ont pas pu poursuivre les choses ailleurs…

Vous faites aussi partie d’un collectif “Human Beings, What Unifies Us?”. Est ce que vous pourriez nous en parler? Comment avez vous eu envie de l’intégrer?

En 2016, une femme franco-américaine  passionnée par Cuba et qui aimait beaucoup mon travail m’a contacté pour ce projet « Human beings… ». Elle a rassemblé une douzaine d’artistes, essentiellement des peintres, afin d’organiser une exposition collective à la Galerie d’art universel Benito Ortiz à Trinidad, Cuba. Nous avons pu exposer nos oeuvres pendant un mois dans le magnifique palais Ortiz de style colonial typiquement cubain: c’était grandiose! La rencontre du public cubain a été également une expérience extraordinaire. J’ai eu la chance de rencontrer et d’exposer aux côtés de grands artistes tels que Jorge Cesar Saenz Gomez, Rosemary Feit Covey, Yudit Vidal Feife, Carlos Bustillos, Carlos manuel Castillo ou encore Lazaro luis Garcia Del campo. Ce collectif franco-américain devait se produire ensuite aux Etats-Unis puis en France mais, faute de moyens, cela a tourné court, pour l’instant… Je suis restée en contact avec plusieurs de ces artistes que j’admire beaucoup.

Vos toiles sont engagées pour diverses causes notamment l’écologie et la préservation de l’environnement, on peut aussi voir représenté le président américain Donald Trump, est-ce que vous considérez que l’art a une vocation critique sur la société?

Je ne crois que l’art ait une finalité spécifique. En tout cas, pas chez moi. Pour moi, il y a d’abord l’émergence d’une idée puis d’un besoin de donner une représentation, une forme à cette idée sur la toile. Si une de mes toiles est politique – ou critique vis-à-vis de la société comme vous dites -, c’est que je me trouve dans un état où je dois exprimer mon indignation, ma colère, ou peut-être plutôt ma tristesse, mon désespoir… Mais, il n’y a rien de militant. Je suis simplement traversée par mon époque et mes créations s’emparent de cela. Tenez, par exemple, je viens de peindre deux tableaux inspirés de la situation dans laquelle la COVID-19 plonge le monde. Il est probable que, comme moi, la plupart des artistes se soient exprimés sur le sujet d’une manière ou d’une autre.

 Enfin, quels sont vos projets en cours ou à venir?

A la rentrée, du 15 septembre au 10 novembre, je vais exposer mon travail dans la prestigieuse agence Christie’s Maxwell Baynes à quelques mètres de l’Opéra de Bordeaux, au 28 cours du chapeau Rouge. Ensuite l’automne, je vais également participer à deux expositions collectives à Bordeaux. La première aura lieu à l’espace culturel du Marché de Lerme du 5 au 18 octobre avec l’association PUCEART sur le thème de l’eau. La seconde se déroulera lors des journées de l’Amérique latine et des Caraïbes avec le collectif MACLA, du 20 au 26 octobre à l’espace culturel de la Halle des Chartrons. Il est également question d’exposer plusieurs de mes toiles à Paris en novembre. Et j’ai déjà trois autres expositions programmées dans des châteaux bordelais et à Merignac en 2021.

Plus d’info sur Victoria Stagni sur son site web : https://www.victoria-stagni.com/fr/

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Quelques jours avant le déconfinement nous avons interviewé l’artiste peintre mexicain Ivan Torres. Membre fondateur de MACLA (Muestra d’Art Latino Américaine), il est l’un des acteurs culturels les plus actifs de la communauté latino-américaine à Bordeaux. Il nous parle de l’importance de la couleur, de la (sa) culture et du Mexique dans son art.

Pourrais-tu te présenter en quelques mots ? 

Après des études de journalisme au Mexique, j’ai travaillé pour le plus important journal de Guadalajara. Je vis depuis 16 ans à Bordeaux, où j’exerce comme artiste peintre autodidacte.

 Si je devais caractériser ton art, je dirais que c’est un art peuplé de personnages, presque comme un bestiaire, même s’il est essentiellement abstrait. D’où viennent tous ces personnages ? 

Les personnages sont les projections et les déductions propres à chaque personne. C’est ainsi que le public peut se rapprocher de ma peinture. Couleurs et formes ont de multiples interprétations, c’est un dialogue entre le public et mon travail. 

Ma peinture est principalement abstraite, même si je fais parfois du figuratif. L’essentiel pour moi est de savoir quel langage choisir (abstraction, figuration, poésie, vidéo, etc.) afin de diriger l’inspiration de ma création. 

Et d’où vient tout cela ? D’une créativité permanente, de mon enfance, de ma vie quotidienne et de l’interculturalité qui me nourrit depuis des années.

Quel est l’impact de l’ « interculturalité » sur ton art ? Est-ce que tes origines, ta culture a un impact sur tes peintures ? Est-ce que ta culture inspire ton art ? 

  Dans la palette des expressions artistiques, le premier geste se fait par intuition et ce mouvement provient de nos origines existentielles. L’artiste décide alors comment s’insérer dans cet ensemble créatif, c’est-à-dire que nous optons ensuite, je crois, pour un courant artistique classique, moderne, conceptuel, contemporain, performatif, pop, etc… 

Ce que nous avons appris se conjugue à ce que nous avons vécu, et cela constitue la marque de l’artiste, son originalité. Pour ma part, je suis un artiste qui a appris à peindre en autodidacte, comme un moyen d’expression pour développer mon besoin vital de création. 

La culture est mon terrain de jeu, là je porte ce que je sais et ce que je ne sais pas aussi, le tout pour continuer à me nourrir. Le Mexique m’a permis de comprendre le point de départ, l’interculturalité m’aide à affiner la perspective, ici à Bordeaux.

La couleur me semble d’être un élément très important dans tes peintures, plus que de la décoration elle semble être un personnage à part entière. Est-ce que c’est vraiment comme ça ?

C’est vrai, pour moi la couleur est un langage et une vibration. 

Dans notre mémoire, nous portons toujours une couleur qui nous guide vers le beau, la tranquillité, la tristesse et parfois les mauvais souvenirs. Nous pouvons, par exemple, apprécier une certaine couleur « rouge » dans une peinture, mais elle peut « vibrer » différemment selon la personne et sa culture. Chaque spectateur garde en soi une palette de couleurs mais aussi de sons, d’odeurs et d’émotions. Ce que les gens voient dans mes peintures, ils le ressentent d’abord et ensuite cherchent à le comprendre. Ainsi puis-je communiquer mieux et plus clairement avec eux, quand ce dialogue est possible.

La femme semble avoir un rôle essentiel dans ton « art poétique ». C’est très évident dans la série « Chamanas » mais aussi dans « Sol y luna ». Pourrais-tu nous en dire un peu plus ? 

J’aime la Femme. Mon empathie pour le féminin ne date pas d’aujourd’hui, mais vient notamment de mes origines et de mon enfance. J’ai toujours douté – quand j’étais petit, maintenant je peux le confirmer – que la force masculine soit la solution, alors même que la sensibilité était considérée comme une faiblesse féminine. 

Je me rends compte que mon travail artistique est une réplique de mon existence, un continuum. La Femme est l’expression de la résistance, parce que dans sa biologie elle préserve la vie et cela, philosophiquement et historiquement, dit beaucoup de la prudence autant que de la force. 

Si je peins une idée, je cherche à pouvoir l’associer à quelque chose de concret, de réel. Par exemple, l’exposition “Chamanes” évoque les femmes qui guident et guérissent spirituellement et socialement, notamment au Mexique et en Amérique latine.

Dans la série “Sol y Luna”, je propose un débat entre ces éléments : la force et la guerre représentatives de l’homme sous la forme de SOLEIL (la couleur rouge), la sagesse poétique et la vie manifestée chez la femme sous l’apparence d’une LUNE (bleu), la convergence de ces éléments en équilibre étant la NATURE (en vert). Cet ensemble se retrouve dans les 27 œuvres de la série que j’ai peinte depuis 2008. Dans la Nature comme dans la Société, sans équilibre, il n’y a pas de sérénité existentielle.

La situation qu’on vit est totalement inédite de par son caractère mondial. Est-ce que le confinement a changé ta façon d’appréhender ton art ? En quoi tu travailles actuellement pendant le confinement ?

Comme tout le monde, j’ai d’abord connu la crainte et la déstabilisation face à l’idée de vivre enfermé à cause du virus. J’ai ensuite vécu le confinement comme chacun, avec des préoccupations telles que l’argent, le travail, la famille, la santé… Cependant l’Art et la Philosophie m’ont rendu service, en descendant de leur piédestal jusque dans ma vie quotidienne, pour m’aider à affronter cet enfermement. 

Tout le monde en fait a été accompagné par la musique, les dessins, la peinture, le chant, la gastronomie, la lecture, la méditation… Néanmoins je sais malheureusement que certaines personnes n’ont pas vécu le confinement ainsi (violences contre les femmes en augmentation, peurs et agressions sur les réseaux sociaux, les familles pauvres dans les banlieues ou la campagne, personnes vivant dans la rue, etc).

Ce qui a changé pour moi, c’est de réaliser que j’ai une vie intérieure très riche qui m’a permis de surmonter le confinement, en continuant à créer comme un écho essentiel à mes réflexions. 

Pendant cette période, j’ai travaillé sur deux projets spécifiques : le premier est une œuvre intitulée “La Tercera Raíz / La Troisième Racine” qui parle des origines africaines du Mexique et de l’Amérique latine, soit un mois et demi de peinture en écoutant de la musique, des documentaires, des émissions philosophiques, la radio notamment. Le second – et je pense qu’il est le plus importante – fut la Contemplation… C’est-à-dire être avec mes plantes, dans les nuages, dans les feuilles des arbres et même dans les sons plus doux de la nuit, et la compagnie des gens important pour moi, malgré la distance. 

Je résume cela par ma maxime personnelle : Le Culture guide et la Nature sauve / La Nature guide et la Culture sauve.

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La création d’un univers particulier est, a mon avis, l’un des éléments les plus intéressants qu’un artiste peut concevoir. Et c’est exactement ce qui l’artiste Elissar Kanso nous propose dans sa dernière exposition « Euphoria » : un univers d’images inspirées des mascarons et des statues qui se trouvent partout (si on sait les chercher) dans la ville de Bordeaux. Des mascarons qui sont aussi une réminiscence de l’histoire de la ville comme port et carrefour de cultures, de son passé glorieux de marchands de vin et d’épices arrivés d’outre-mer, et des visages qui servent de point de repère aux nouveaux arrivants de la ville actuelle, une ville qui reprend peu à peu cet esprit cosmopolite. Et Elissar Kanso est bien un exemple de cet esprit : artiste Libanaise qui vit et travaille depuis 8 ans à Bordeaux, et qui en plus de la France a participé à de nombreuses expositions collectives en Espagne, Syrie, Jordanie et à Beyrouth.

L’exposition de peintures « Euphoria », qu’on peut visiter dans la cour de l’hôtel de Sèze à Bordeaux, nous transporte dans cet univers de formes et de couleurs qu’elle a créé, et qui sont le résultat de son expérience bordelaise, de sa rencontre avec cette ville et de sa fascination pour son nouveau chez-elle. En même temps ces peintures, qui paraissent témoigner d’une réalité lointaine, belle mais un peu décadente sont des images qui, on peut l’imaginer, sont profondément ancrées dans son histoire personnelle : son enfance au Liban, la guerre et les traces qu’elle a laissé en Beyrouth, le féminisme au Moyen Orient.

Ainsi, « Euphoria » nous propose une exposition de peintures pleines de couleurs et de vie qui contrastent avec les visages mélancoliques aux airs anciens présents dans la majorité des peintures. Ce contraste donne comme résultat un équilibre qui semble fragile mais qui donne une force spéciale à cette exposition. Les personnages, traités avec une énergie qui les rend presque vivants, se mélangent avec des éléments inattendus comme les prises électriques qu’on trouve dans chaque tableau (une marque de fabrique de l’artiste).

On a voulu imaginer le pourquoi de ces prises électriques, avant même de demander à l’artiste. Peut-être sont-elles là pour animer ces personnages, comme une métaphore de notre monde occidental contemporain, sa société de consommation et le mythe du progrès qu’elle entraine…

Biographie de l’artiste

Elissar Kanso est une artiste libanaise qui vit et travaille en France depuis 2010 et qui est co-présidente de l’association Connectif Plateforme Créative Bordeaux Beyrouth. Actuellement, elle finalise un doctorat à l’Université de Pau et des pays de L’Adour.

Ses recherches en Arts sont profondément impliquées dans son histoire personnelle, questionnant l’idée de  l’acte de peindre comme étant métaphorique. Elle participe à de nombreuses expositions collectives en France, Espagne, Syrie, Jordanie et à Beyrouth. Trois de ses œuvres ont été acquis par l’artothèque de l’université Bordeaux Montaigne. Son projet artistique Casting est retenu par un appel à projet international (ICI) et sera présenté à Budapest en 2018. Il est aussi retenu pour l’exposition collective Grand Prix Bernard Magrez en Juillet 2017.

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La première fois que j’ai entendu parler de MACLA, c’était à la fin de 2015. Je venais d’arriver en France du Pérou et j’ai trouvé sur Facebook cet événement artistique qui rassemblait des artistes latinos qui habitaient en France. L’idée me séduisait, surtout parce que très rapidement je me suis rendu compte qu’il (le collectif d’artistes) s’éloignait des clichés de l’Amérique Latine et de l’image folklorique et facile de l’art latino-américain, et essayait plutôt d’avoir des propositions contemporaines et innovatrices. Depuis ce moment, j’ai commencé à suivre MACLA et à prêter attention à ses événements et expositions.

L’année dernière (2017), le thème de son exposition annuelle à l’institut Cervantes était la musique, un thème qui m’intéresse spécialement. Comme la première fois, j’ai eu la sensation d’être face à un groupe d’artistes qui présentait une exposition variée en couleurs et visions du monde mais qui se retrouvait dans une conception contemporaine de l’art, un collectif qui avait ses racines bien ancrées dans une Amérique Latine riche et diverse et qui montrait aussi un art global et qui travaillait différentes techniques sur des matériaux divers (des instruments musicaux intervenus, de la peinture, de la gravure, de la photo, de la vidéo etc.).

A ce moment je me suis demandé, pourquoi on n’entendait pas plus parler de ce collectif sur Bordeaux ? Pourquoi ses travaux n’arrivaient qu’à une partie réduite des Bordelais ? Pourquoi cette population latino, créative et tellement riche culturellement restait presque invisible en France ?

Quand mon amie l’écrivaine Lise Segas m’a appelée pour me dire que le collectif était en train de se réorganiser, qu’ils avaient besoin d’aide dans cette réorganisation et qu’ils souhaitent me rencontrer, j’ai commencé à réfléchir à toutes les possibilités qu’un collectif tel que MACLA peut avoir. Un collectif avec une qualité artistique bien cimentée et un énorme multiculturalisme interne (qui est une source d’idées et de possibilités de projets) a tout le nécessaire pour réussir, il lui manque simplement de se poser les bonnes questions et de trouver les bonnes personnes pour canaliser cette énergie. Dès nos premières rencontres il a été clair que nous avions une idée commune de pourquoi il fallait continuer et élargir les actions de MACLA : rendre évidente l’énorme force créative qui existe en Amérique Latine, et faire face aux clichés qui existent avec l’art. Un art de qualité et pluriel, qui montre les différentes cultures à l’intérieur de ce qu’on appelle Amérique Latine, un art qui sert aussi pour dénoncer les problèmes. La condition de la femme dans une Amérique machiste, le racisme et la violence sont des sujets clés qui ont été traités dans les expositions de MACLA. La proposition du thème de l’année 2018 « Entre Amérique et Europe, les utopies en transit » était une invitation encore plus intéressante au niveau de la réflexion sur la réalité sociale de différents pays d’Amérique Latine (comme Venezuela et Cuba) et la vision de ces utopies depuis l’Europe.

Je me suis donc engagé avec eux et KLAC est devenu un partenaire pour la structuration du collectif. Nous avons commencé avec une réflexion sur la stratégie à suivre pour développer MACLA. La première étape a été de définir des objectifs pour la période 2018/2019 : donner un cadre légal au collectif, établir les rôles dans le collectif et travailler pour développer son réseau. Durant ses six premiers mois nous avons accompli un labeur dont je suis fier, d’autant plus qu’il s’agit du résultat du travail collectif avec les membres de MACLA. MACLA est maintenant une association de loi 1901, et nous avons commencé à créer des liens avec des institutions importantes de Bordeaux, comme la Mairie de Bordeaux. Cela nous a permis de commencer à mettre en lumière la communauté latino-américaine, comme par exemple avec le montage d’une exposition dans les salons de l’Hôtel de Ville dans le cadre de la Semaine d’Amérique Latine et des Caraïbes (visitable jusqu’au 8 juin). Nous avons aussi répondu aux appels à projets de la Quinzaine de l’égalité pour discuter autour des clichés qui existent autour de la notion de “latino”. De cette façon, MACLA commence, peu à peu, à se positionner comme un acteur culturel de la ville.

Les plans pour le futur sont vastes et excitants. Plusieurs expositions et événements sont prévus pour la deuxième partie de 2018 et nous avons déjà des expositions planifiées pour 2019 à Bordeaux et en dehors de Bordeaux. L’idée d’un catalogue qui retrace la démarche du collectif qui a déjà 5 ans d’existence mûrit peu à peu et vous en entendrez certainement parler dans les prochains mois. Beaucoup d’autres projets commencent à se mettre en place, résultat de six mois de travail intense et productif et qui nous encourage à travailler de plus en plus pour le futur.

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