Date : jeudi 16 mai, 18h30

Lieu : Marché des Douves (deuxième étage, salle des Étoiles), 4 bis rue des douves, Bordeaux.

Entrée libre

Calliope, entre Garonne et Atlantique est un projet qui met en lumière les contacts étroits, historiques et contemporains, entre Bordeaux, l’Afrique et les Caraïbes. Il cherche aussi à créer de la réflexion autour de l’histoire du commerce triangulaire et les impacts que ce dernier a sur notre société actuelle à travers la poésie. 

Pour cette soirée, nous vous proposons de découvrir le travail de deux poétesses dont l’écriture est en étroite relation avec la mémoire : une lecture performée de Patricia Houéfa Grange, écrivaine franco-béninoise dont le dernier recueil, Métisse, et alors ? aborde la question du métissage dans sa complexité et ses nuances diverses. Suivra une lecture de textes de la poétesse et romancière Ysiaka Anam qui s’est donné pour fil rouge la question du récit et de la transmission. 

Vous serez également surpris par les textes exposés, écrits par des élèves de CM2 de quatre  classes de la métropole bordelaise. Des écrits réalisés pendant des ateliers de poésie autour du commerce triangulaire, animés par Laurence Despujols.

Ces textes seront accompagnés de photographies de l’œuvre “La vase et le sel ( Hoodoo Calliope)” de l’artiste Bettina Samson, qui sera présente pour rencontrer le public.

Son orgue à vapeur futuriste et extravagant se trouve sur la Garonne à Bègles. L’artiste  s’est inspiré de la musique des Caraïbes, composant des mélodies nourries  autant de Jazz Funeral de la Nouvelle-Orléans, que du jazz et du merengue de Saint-Domingue (actuelle Haïti).  

LES ARTISTES

Ysiaka Anam

Ysiaka Anam est autrice de romans et de poésie.

Les questions de récit et de transmission constituent le fil rouge de son parcours, où la littérature vient s’entremêler à différentes pratiques (anthropologie de l’espace, psychologie clinique, expérimentations sonores, traduction…). Son écriture navigue dans l’intersection de ces champs. Elle y explore les zones où le plus intime vient enlacer les questions collectives, et fait du récit le lieu de bascule du réel vers d’autres mondes.

En 2018, la sortie de son premier roman, Et ma langue se mit à danser, lui donne l’occasion d’échanger avec différents publics sur les questions d’exil et de mémoire, et d’obtenir une bourse d’écriture du Centre National du Livre.

En 2024, elle sort son premier recueil de poésie, Nos peaux en portent les sillons, aux éditions Atlantiques Déchaînés, et traduit l’essai My Grandmother’s Hands, de l’auteur afro-américain Resmaa Menakem. 

Patricia Houéfa Grange

Patricia Houéfa Grange est poétesse, artisane de la voix haute et traductrice.

Afro-européenne, elle est née en 1979 au Bénin où elle a vécu son enfance et son adolescence. Elle réside actuellement en France.

Issue d’une famille extrêmement métissée, avec une mère professeure d’espagnol et un père qui se déplaçait régulièrement à l’étranger pour ses activités professionnelles, elle a grandi dans un pays et un environnement où plusieurs langues se côtoient au quotidien. Son goût pour l’altérité, les ailleurs et leurs différents parlers y a très certainement trouvé son terreau.
Elle est particulièrement intéressée par tout ce qui touche au multiculturel et au transculturel ; mais aussi aux femmes, à leurs corps et à leurs luttes.

Si le mot et la voix sont ses médias de prédilection, elle apprécie les rencontres pluridisciplinaires et ne conçoit désormais plus ses projets qu’en créations hybrides et/ou multiformes. Elle refuse de se laisser enfermer dans les termes « frontière », « case » ou « étiquette », et laisse dorénavant la poésie l’emmener au-delà du verbe. À travers ses différentes activités, elle souhaite révéler et tisser des liens grâce à un métissage poétique et artistique, faire liant.
Son nouveau recueil s’intitule Métisse, et alors ?. Dans Métisse, et alors ? paru en octobre 2023 aux éditions de L’Iconoclaste (collection L’Iconopop), Patricia Houéfa Grange part de son histoire personnelle, de ses héritages familiaux, pour aborder la question du métissage dans sa complexité et ses nuances diverses.

La Vase et le Sel (Hoodoo Calliope) de Bettina Samson

Les ateliers d’écriture Calliope

Depuis 2019 Klac mène des ateliers d’écriture pour les élèves de CM2 de la métropole bordelaise pour aborder le sujet de l’esclavage, et comprendre les faits historiques qui ont légitimé et répandu le racisme, mais aussi apprendre sur la force créative et l’héritage que les cultures afro-descendantes ont laissé à la postérité.

Le résultat de ces ateliers sont des poèmes, qui ont souvent une force et une sagesse qui nous émerveillent et nous donnent de l’espoir pour le futur !

Lors de cet événement découvrez et écoutez les poèmes réalisés lors des ateliers 2023-2024 dans 4 classes de Bordeaux Métropole !

The post Calliope, entre Garonne et Atlantique 2024 appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.

« Comment commence ton monde quand tu te lèves le matin » interroge Véronique Kanor. Par l’information radiophonique, le discours qui mêlent faits divers, drames, tragédies et légèreté.

L’écrivaine appelle en regard de belles définitions de l’enfance, l’espoir absolu qui laisse une chance à l’avenir même si les trajectoires amènent parfois à la barbarie.  L’enfance, c’est le jeu, c’est la joie. Comme le symbole de l’infini, les mots de la langue péruvienne renvoient à la langue française : une seule voix pour dénoncer l’horreur, pour réclamer la responsabilité, la revendiquer, et un air d’harmonica joué par Carlos Olivera pour figurer la douleur, la souffrance quand il n’entrelace pas les mots de Véronique traduits en espagnol. L’humanisme est blessé, et désire se relever sans cesse.  La langue poétique de Véronique décrit des scènes d’injustice, Nahel, Malik Oussékine… par des gros plans et des portraits, des travellings, des descriptions, des mots très vivants, entrechoqués ou lancés dans un mouvement hip-hop pour densifier la vie et la révolte en même temps, danse primitive pour réveiller en soi les ancêtres, les racines, le passé et partant la conscience.

La poésie du monde, comme rappel interroge avec virulence la splendeur tragique des clichés qui ignorent la vérité des êtres, leur histoire.  Que fait-on de l’innocence des jeux des jeunes années ?

De la foudre, une déflagration sur une tête juvénile à la beauté des forces de la nature, que choisit-on ?

Ici, une langue aussi pour résister :  « je redeviens l’autre » dit Véronique Kanor pour retrouver le sens de l’origine dans la chair, dans les mots répétés, « le corps lourd », le poids de la conscience en réponse à la fausse légèreté, à la futilité, à l’artifice.  « Je n’ai pas la peau étanche », c’est une poésie militante et sans oxymore. L’humanisme…

Alors « déserter », « marronner » mais pour vouloir ETRE comme un pouvoir. Être libre grâce au pouvoir de la mémoire et de la protestation.

Anne Maurellet

LES RIVES EMBRASSEES

Les rives embrassées est un projet d’échange de poètes entre Lima et Bordeaux qui cherche à créer des pontes entre le Pérou et la France à travers la poésie. Ce projet est soutenu par la DRAC Nouvelle Aquitaine, l’Institut Français, la Mairie de Bordeaux et Bordeaux Métropole, l’Ambasade de France au Pérou et l’Alliance Française de Lima.

The post La peau étanche : Le langage pour résister appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.

Comme chaque année, la Semaine de l’Amérique Latine et des Caraïbes (SALC) propose des rendez-vous dans tous les quartiers, pour tous les goûts et tous les âges, accessibles et gratuits pour la plupart ! Spectacles, conférences, expositions, ateliers, projections et concerts programmés dans les différents quartiers, permettront d’aller à la rencontre des communautés locales d’origine latino-américaine : Bolivie, Brésil, Caraïbe, Chili, Colombie, Mexique, Pérou, Venezuela… Autant de territoires avec lesquels Bordeaux cultive de très nombreux liens universitaires, culturels, économiques, associatifs.

Dans le cadre de la SALC 2023 KLAC propose l’événement Cocktail Poétique #1, une soirée interdisciplinaire dédiée à l’art, la culture et la littérature péruvienne.

En cette soirée, que nous avons appelé Cocktail Poétique #1, Patricia Houéfa Grange nous propose “Traduire Victoria Santa Cruz et le rythme à Lima”, un retour sur son voyage au Pérou autour de la vie et les œuvres de Victoria Santa Cruz, célèbre artiste, chorégraphe, écrivaine et militante afro-péruvienne. Au programme, également , une exposition d’art de l’artiste péruvien César-Octavio Santa Cruz, de la musique et une dégustation de spécialités péruviennes…

Jeudi 1 juin à partir de 18h30
Réseau Paul Bert
2 rue Paul Bert, 33000 Bordeaux

Plus d’infos ici

Evénements de nos partenaires :

The post Semaine d’Amérique Latine et des Caraïbes 2023 appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.

Calliope, entre Garonne et Atlantique est un projet qui met en lumière les contacts étroits, historiques et contemporains, entre Bordeaux et les Caraïbes. Il cherche aussi à créer de la réflexion autour de l’histoire et du commerce triangulaire. Pour cette soirée, nous vous proposons de découvrir le film La vase et le sel (Hoodoo Calliope) présenté par l’artiste Bettina Samson, une lecture de textes autour d’Haïti par l’écrivain haïtien Rolaphton Mercure et une exposition de textes écrits par les élèves de CM2 de la métropole lors des ateliers d’écriture.

Date : jeudi 11 mai, 18h30

Lieu  : Marché des Douves (troisième étage, salle des Étoiles), 4 bis rue des douves, Bordeaux.

Entrée libre

Rolaphton Mercure

Rolaphton Mercure est un comédien, slammeur, dramaturge, poète, et metteur en scène haïtien. Il est aussi un rappeur qui avait signé avec un label haïtien pour deux mixtapes de quarante textes qui, malheureusement, ont été détruit lors du tremblement de terre en 2010. Il a joué de la comédie musicale et du théâtre forum avec la troupe Haïti en Scène de Bertrand Labarre. Il a été aussi animateur d’une rubrique de poésie urbaine pendant une année à la radio nationale d’Haïti.

Il vient de sortir, aux éditions Atlantiques Déchainés, le recueil de poèmes Bel ogou d’avant rouge. Militant et activiste, il aime se battre pour rendre au mot « bonheur » ses lettres de noblesse et pour ceux qui se posent la question oui, “Rolaphton Mercure est mon vrai nom. Rome pour les intimes.”, nous dit-il.

La Vase et le Sel (Hoodoo Calliope) de Bettina Samson

Fruit d’un long travail de recherches culturelles, d’études techniques et de repérages menés depuis 2013, l’installation “La Vase et le Sel (Hoodoo Calliope)” est une oeuvre d’art de l’artiste Bettina Samson et elle prend la forme d’un orgue à vapeur futuriste et extravagant, orienté vers la Garonne. Les 38 sifflets de l’installation, fondus artisanalement avec d’un alliage de bronze et laiton recyclé, jouent une musique au souffle dissonant et fugace. Les nappes sonores et les mélodies peuvent évoquer de loin en loin les marches presque dansées du Jazz Funeral de la Nouvelle-Orléans, musique nourrie de l’apport de ces musiciens de jazz descendants de Saint-Domingue (Haïti). Mais au-delà, ce sont surtout les rythmes vifs et perçants des fifres qui chantent les Méringues paysannes haïtiennes qui sont convoquées.

Le Film La Vase et le Sel (Hoodoo Calliope)

Le film de 10 mn est sonore et sans parole. Il permet d’accéder à une vision poétique, immersive de l’oeuvre d’art de Bettina Samson à Bègles, La Vase et le Sel (Hoodoo Calliope) ( 2019).

Le point de vue de l’environnement ainsi que celui de la part cachée de l’usine sont mis en continuité via une trajectoire qui passe par l’orgue. L’ensemble forme un organisme quasi-vivant dont les différents éléments interagissent, rendant réversibles les notions d’intérieur et d’extérieur, de cause et d’effet, de nature et de déchets, de fabrication, d’accumulation, de consommation et d’entropie, de transfert et de métamorphose, d’énergie et de dépense. La digestion débouche sur le souffle, le rythme industriel sur la respiration, l’expressivité immédiate sur un message sous-jacent, l’occultation historique sur le chant.

Œuvre du programme d’art public de Bordeaux Métropole “L’art dans la ville”, l’installation “La Vase et le sel (Hoodoo Calliope)”, fruit de recherches et de repérages menés depuis 2014 par Bettina Samson, est inaugurée en 2019. Elle est mise en vapeur et automatisée depuis le printemps 2021. Elle s’active tous les jours de mercredi à dimanche, pour quelques minutes, à 15h08.

Les ateliers d’écriture Calliope

Depuis 2019 Klac mène des ateliers d’écriture pour les élèves de CM2 de la métropole bordelaise pour aborder le sujet de l’esclavage, et comprendre les faits historiques qui ont légitimé et répandu le racisme, mais aussi apprendre sur la force créative et l’héritage que les cultures afro-descendantes ont laissé à la postérité.

Le résultat de ces ateliers sont des poèmes, qui ont souvent une force et une sagesse qui nous émerveillent et nous donnent de l’espoir pour le futur!

Lors de cet événement découvrez et écoutez les poèmes réalisés lors des ateliers 2022-2023 dans 5 classes de Bordeaux Métropole!

The post Evénement Calliope, entre Garonne et Atlantique appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.

Les rêves du futur est une création de la compagnie l’Espèce Fabulatrice pour le Festival les Ecoutilles produit par KLAC en juillet 2022. Mené par le comédien et écrivain Sébastien Laurier, Les rêves du futur était un projet hybride entre spectacle immersif et performance littéraire. Une promenade racontée à travers un “tunnel du temps” était proposé aux participants afin de les projeter dans le futur. Une fois fixés dans le futur, les participants s’installent dans un salon de rêverie monté à l’ombre des arbres du Parc de l’Ermitage. Certains ont passé 5 minutes, certains une heure, pour écrire, penser, et réfléchir au futur. Le résultat c’était une lettre destinée à son “soi du passé” pour raconter ce qui c’était le futur. 

Un exercice ludique, introspectif en même temps que créateur de communauté, qui a aidé à libérer la parole sur les attentes et les peurs d’un public intergénérationnel. Un exercice qui a plus d’importance encore dans un monde devenu de plus en plus anxiogène. 

Sebastien Laurier a répondu quelques questions pour aider le pubic à mieux connaître ce projet artistique.

La restitution du projet, avec la lecture publique des rêves écrits par les participants suite à vos échanges, a été un moment très fort et très émouvant. Nous avons senti que les participants avaient besoin de partager leurs peurs et leurs espoirs sur le futur. Comment as-tu trouvé le déroulement de cette restitution ? 

Du fait de tout le dispositif mis en place, qu’il soit visible (la scénographie, avec le bar mobile était également décisif !) ou invisible (l’accueil, l’écoute, la disponibilité nécessaire pour permettre une parole intime), nous avons pu je crois, créer, un vrai espace de confiance qui a fait que les participants ont réellement livré une parole intime.

Dans ce contexte, oui, les textes étaient forts et émouvants.

Sébastien Laurier

Auteur, comédien et metteur en scène de la compagnie L’Espèce Fabulatrice. Il mène des quêtes-enquêtes improbables et décalées mais sérieuses et documentées qui deviennent des objets artistiques, livres, spectacles, marches-lectures, expositions. Il a notamment publié Le rêve d’un Coin-Coin aux éditions Élytis en 2020.

Le site de Sébastien Laurier : https://www.sebastienlaurier.com/

Plus d’informations sur les Ecoutilles : https://ouvrirlesecoutilles.fr/

The post Les rêves du futur appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.

L’exposition « Là où danse le diable » va vous embraser le cœur d’émotions fortes grâce aux photographies résumant la vie, la réalité des interventions et le dévouement des hommes et des femmes qui chaque jour décident de sauver la vie d’inconnus au péril de la leur. Ces hommes et femmes qui par passion décident de faire don de leur propre vie.

Lukas Isaac et Damien Rembert, photographes l’un péruvien et l’autre français, ont su tous deux documenter et transmettre un témoignage poignant du métier de pompier. Ce métier, qui peut être source de fantasmes ou bien d’injustices (ex: les violences contre les pompiers lors des dernières manifestations), regroupe pourtant des personnes qui mènent des vies ordinaires faites de joie et de peines, d’amitié et de solidarité mais aussi de fatigue, de larmes, de pertes de proches… Le duel qu’implique d’être « frère de feu ». Ces deux photographes ont mis en image le travail des pompiers qui est avant tout un engagement qui va au-delà du devoir.

Cette exposition, présentée pour la première fois en France, est un projet documentaire sur le métier de pompiers dans la ville de Lima du célèbre photographe de rock latino-américain Lukas Isaac (photographe des Rolling Stones lors de leur dernière tournée en Amérique du Sud). 

Il s’est plongé sur le travail engagé des pompiers péruviens et les a accompagnés dans leur quotidien sur une période de plus quatre ans.  L’objectif de Lukas montre des hommes et femmes qui subissent la précarité quotidiennement et qui avec peu de moyens et de ressources vont réussir à dompter « el diablo », jargon pour désigner le feu émanant d’un incendie. 

Il est important de souligner que les pompiers péruviens sont complètement bénévoles. Au Pérou il n’y a pas de pompiers professionnels. Ceux-ci risquent leur vie de façon désintéressée dans une ville, Lima, de onze millions d’habitants et où se déclarent de nombreux incendies tous les ans.

Dans cette exposition, présentée en France par l’association KLAC, en plus des photos prises dans la ville de Lima, on pourra aussi observer quelques clichés d’incendies forestiers pris par Lukas Isaac à plus de 3500m de hauteur dans les montagnes de Cusco dans les Andes, qui fait partie de son nouveau projet entrepris après le confinement. Le combat des incendies forestiers peu documentés dans notre quotidien mais qui chaque année sont un danger pour la population humaine mais davantage encore pour les animaux (rappelons la catastrophe en Australie avec les koalas), fait aussi partie des actions du métier de pompiers.

Le photographe péruvien qui, au début, avait l’intention de documenter les actions des pompiers en quelques mois seulement, a également souhaité nous partager cette vision très humaine du travail de pompier. Avec ces hommes et femmes qui sourient, qui construisent des amitiés, ces gens qui parfois font face à des tragédies avec les décès de leurs partenaires qui sont aussi leurs amis. Au fil des semaines il s’est retrouvé au milieu d’une confrérie avec le sentiment de fraternité, la coexistence, le partage de joies et de peines comme une deuxième famille.

Et, Lukas nous dit « Avec les pompiers j’ai trouvé une sensation de fraternité, et j’ai pu comprendre les forces qui les motivent et aussi celles qui les découragent : le sentiment de donner sans rien espérer en retour, le complet anonymat des héros au moment d’assister et de préserver la vie des autres, l’injustice avec laquelle ils sont souvent traités, du manque d’empathie de la population à l’effort nécessaire pour atteindre le lieu du sinistre, les promesses non tenues par les autorités et donc la déception. Et finalement la tristesse de laisser leurs proches pour leur dévouement au service, les pénuries et les carences à faire face tous les jours, même en donnant leur vie si c’est nécessaire, et toujours travailler en silence pour un pays meilleur ». 

« Le diable », c’est aussi l’expression employée par les sapeurs-pompiers français pour qualifier le feu. Les sapeurs-pompiers forment une communauté au-delà même des frontières. Ainsi à l’invitation de « KLAC », l’Union Départementale des Sapeurs-pompiers de la Gironde s’est associée à cette exposition en promouvant le travail de Damien Rembert, sapeur-pompier professionnel et photographe, qui jette un regard professionnel et artistique sur ce qui fait son quotidien : du grand feu à la détresse sociale, il capte des instants furtifs au cours d’intervention témoignant du dépassement de soi du sauveteur au soulagement de la victime.

En 2015 il est devenu photographe opérationnel au sein du service communication du Service Départemental d’Incendie et de Secours de la Gironde. L’univers complexe des interventions lui rappelle l’univers de ses débuts avec comme défi d’immortaliser les « actions » de ses collègues sapeurs-pompiers dans des conditions parfois difficiles telles que les incendies, les intempéries et les interventions dans des milieux périlleux… 

Ainsi il saisit par l’image des instants de vie, de détresse, de soulagement et nous entraîne dans un quotidien fait d’instants parfois extraordinaires vécus par des gens ordinaires.

Grâce aux différents points de vue des deux photographes, s’ajoute un plus à cette exposition, qui regroupe un même métier, le même dévouement et la même passion de ses « frères de feu » dans deux situations complètement inégales qui ne bénéficient pas des mêmes budgets ni des mêmes équipements.

« Là où danse le diable », est une exposition organisée en partenariat avec l’Union Départementale de sapeurs-pompiers de Gironde, qui ont tout de suite soutenu et tenu à la réalisation de ce projet.  La mairie de Bordeaux et le Crédit Mutuel du Sud-Ouest ont également voulu soutenir cette exposition car ils y ont vu un portrait humain et émouvant d’un métier souvent très peu valorisé, au Pérou, en France et partout ailleurs. 

Finalement, il faut souligner que cette exposition aura un but philanthropique car les photographies présentées seront vendues et l’argent collecté sera reversé aux pompiers de la ville de Lima.

The post Les pompiers, frères de feu appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.

C’est une première pour l’association Klac! Nous organisons un événement qui mélange une boutique éphémère avec les créations des artistes partenaires de Klac, un espace librairie où vous trouverez des livres, des spectacles et un espace dégustation! 

Cet événement c’est avant tout un espace de rencontre, un temps de partage où les différents acteurs qui font partie de l’écosystème de Klac peuvent se rencontrer autour d’un verre, partager et montrer leurs créations. Un espace convivial pour se retrouver, pour créer de la synergie et pour soutenir les artistes! 
Avec la participation de : Desirode, Ivan Torres, Noémie Boullier, Patricia Houéfa Grange, Origo, Ho Dessin et illustration, Kantu bijoux, Frédéric Dalleas,Capucine Magy.

Samedi 30 avril: 
11h Dégustation de cafés par la team du café Verde Nero 

12h30 Brunch latino par Au bon goût latino

18h dégustation de Pisco  

18h30 Performance poétique « Ventres, sons creux » de là poète Patricia Houéfa Grange

Dimanche 1re mai 

12h Brunch latino par Au bon goût latino 

15h Sieste poétique-musicale avec Patricia Houéfa Grange (projet Cette Malaisie lah)

The post KLAC ÉPHÉMÈRE  appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.

Ce sont ces traces, ces lignes qui ont inspiré les tableaux et sculptures présentés dans cette exposition. Dans “Trazos”, les artistes latinoaméricains Desirode et Ivan Torres s’approprient ces motifs ancestraux issus des cultures préhispaniques pour transcrire leur monde intérieur, peuplé d’un imaginaire ancien et de leurs racines, à travers un langage artistique contemporain. 

Les artistes

Ivan Torres est un artiste mexicain installé à Bordeaux! Pour lui, la peinture offre la possibilité de faire dialoguer les cultures à travers la couleur! Pour lui, peindre est un chemin chromatique qui permet de partager et donc de continuer à créer.

Desirode est une artiste plasticienne passionnée de l’archéologie et la linguistique. Elle est à la recherche des mots oubliés, des langues perdues, et d’un équilibre esthétique aux allures des fouilles archéologiques. Toute son œuvre tourne autour de la mémoire et des nos racines.

The post TRAZOS : UN DIALOGUE ENTRE CERAMIQUE ET PEINTURE appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.

Organo, manifestation artistique autour du corps et des arts visuels présente une 6^e édition débordante et saturée sur le thème « Couleur augmentée ». La biennale se tiendra du 29 mai au 6 juin prochain aux Vivres de l’Art. Cet événement, véritable laboratoire de découvertes et d’expérimentations artistiques, présente une exposition et des performances où visiteurs, plasticiens, performeurs, vidéastes, photographes et universitaires peuvent se rencontrer et échanger dans une ambiance chaleureuse et conviviale. Rencontre avec Nathalie Canals, sa fondatrice !

« Organo, la biennale cyberpunk la plus innovante de notre monde de l’art à l’état gazeux » Bernard Lafargue, critique d’art

Pour commencer, est-ce que vous pourriez vous présenter, nous parler de votre parcours ?

Je suis la fondatrice et la Directrice artistique de la biennale Organo et de l’association Totoche Prod, structure organisatrice de l’événement. Pour ce qui est de mon parcours d’études, j’ai obtenu une maîtrise d’information et de communication au SICA (Science de l’Information, de la Communication et des Arts) à Bordeaux puis quelques années plus tard, en formation continue, j’ai suivi le DU « Conception de projets et médiation culturelle » ainsi que « Technologies du multimédia ». J’ai également suivi les cours d’art contemporain & de design graphique durant 4 années aux auditeurs libres des Beaux-Arts de Bordeaux. Pendant de nombreuses années, j’ai été chargée de communication dans le milieu socio-culturel et artistique (danse, théâtre, musique) et travaille depuis une dizaine d’année à l’éducation nationale.

En parallèle de mes activités professionnelles et suite à mon engagement militant à l’association Lesbian & gay Pride Bordeaux avec laquelle j’ai organisé 3 expositions autour du corps queer, mon goût pour l’art contemporain m’a amenée à fonder en 2005 l’association Totoche Prod afin de produire (créer, concevoir) des événements artistiques qui permettent de concrétiser toutes les idées et tous les projets qui bouillonnaient dans ma tête ! Depuis sa création en 2005, une trentaine d’événements (expositions d’art contemporain & performances) ont été organisés et plus d’une centaine d’artistes ont été présentés. Aujourd’hui, l’événement phare de l’association est la biennale ORGANO que j’ai créée en 2011.

Quel est votre rapport à l’art en général et plus précisément aux arts visuels tels que mobilisés pendant Organo ?

Aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours été très attirée par les images. Pour la petite anecdote, j’ai très tôt réalisé des collages dans lesquels je transformais les corps en êtres hybrides, je leur changeais les yeux, leur échangeais la tête, leur mettais des corps d’animaux… Au fil du temps, mon attirance pour l’esthétique des corps transformés, mutants et des personnages excentriques m’ont amenée à découvrir le travail artistique d’ORLAN, de Matthew Barney et de Leigh Bowery. Cela a fait l’effet d’une révélation, d’une évidence !  Le sujet du corps dans l’art contemporain, notamment le corps hybride, augmenté, transformé ou encore numérique, est devenu « mon » sujet. Les thèmes des biennales y sont d’ailleurs directement connectés.  Proposer des réflexions plastiques et esthétiques sur les corps contemporains et ses représentations dans les arts visuels actuels constitue la colonne vertébrale de la biennale. L’art est vivant, il doit bousculer notre perception et notre façon d’être au monde ! 

Organo est-il un évènement engagé ? Si oui, pourriez-vous nous parler des valeurs que met en avant la biennale ?

La biennale se définit comme un événement engagé. Je suis convaincue que l’art est un média essentiel, privilégié pour témoigner de notre perception au monde, de notre modernité et des interactions du corps à notre environnement. Par la singularité de ses thèmes et sa programmation, exigeante et audacieuse, Organo cherche à questionner notre société contemporaine à travers des propositions novatrices et alternatives. 

La biennale est un événement qui se veut inclusif. L’atmosphère conviviale et la politique tarifaire permet un accès à tous ! Pour la prochaine édition, un intérêt particulier sera porté aux personnes en situation de handicap.  Pour cela, nous travaillons en collaboration avec des associations spécialisées. Des visites et des ateliers d’arts visuels seront organisés avec des personnes cérébrolésées et un accueil de personnes malvoyantes sera également possible grâce à la réalisation de plaques connectées.

Nous sommes également engagés sur l’égalité homme-femme. Une attention très particulière est d’ailleurs portée sur la sélection des artistes afin que l’égalité entre les femmes et les hommes artistes soit respectée.

Monter un tel évènement doit demander beaucoup d’organisation, comment faites-vous ?

Le travail d’organisation de la biennale s’articule autour de 3 axes principaux : 

En 1^er lieu, la conception, qui est en quelque sorte l’idée et le choix du thème. Cette partie, solitaire, dans l’ombre, me stimule et me plaît beaucoup ; J’aime particulièrement chercher et repérer des artistes ainsi que réfléchir à des thématiques, et à des lignes esthétiques originales. Mon ordinateur est rempli d’artistes, d’idées, de références et d’images !

La 2^e phase est le choix des œuvres et l’élaboration du projet artistique.  Les œuvres les plus pertinentes ou les plus impertinentes ! en rapport avec le thème sont sélectionnées puis le projet prend forme.

Vient ensuite la 3^e phase où tout s’accélère : le suivi et la réalisation du projet !  Une bonne coordination de l’ensemble des acteurs est essentielle. Car, pour exister, la biennale a besoin de beaucoup de personnes : l’équipe, les artistes, les performeurs, les techniciens, les partenaires, les bénévoles, etc. Et comme les moyens financiers ne sont pas importants, et qu’il y a beaucoup de choses à faire et à penser, l’énergie et l’engagement de tous sont primordiaux!

Vous travaillez avec des partenaires pour monter la Biennale ?

Depuis sa première édition, Organo se caractérise par une organisation qui maximise les ressources pour accueillir et soutenir les artistes dans les meilleures conditions. Elle est donc rendue possible grâce à l’engagement de nos partenaires. Ils font partie intégrante du projet et ont un rôle essentiel à notre réussite. Pour l’édition 2021, nous continuons de consolider les liens avec ceux de longue date. 

Nous avons des partenaires très fidèles qui nous accompagnent depuis plusieurs années ! Les Vivres de l’Art nous accueillent depuis 2017; la recyclerie D’éco Solidaire nous fournit du mobilier de récupération pour la scénographie, Boesner nous fournit du matériel,  le laboratoire de recherche MICA de l’université Michel de Montaigne à Bordeaux participe activement à nos conférences, le château Marzin organise des dégustations de vin, le salon de thé bio Chat noir Chat vert accueille nos réunions tout au long de l’année et  assure la restauration de la biennale ou encore la librairie Mollat qui met à disposition sa vitrine du rayon Arts avec l’affiche d’Organo et une sélection de livres thématiques.

Nous mettons parfois aussi en place des partenariats ponctuels, comme par exemple, Arts promotion Centre Finlande qui nous permis d’accueillir l’artiste franco-finlandaise Christelle Mas pour Organo #5 ou encore l’Ecole Nationale Supérieure d’Arts de Paris Cergy qui a permis à l’artiste parisien Adrien Blatzezyk de présenter des tirages de grande qualité pour la biennale Organo #4.

Cette année, nous travaillons avec l’association KLAC (Kaléidoscope Laboratoire Culturel) et nous nous associons à de nouveaux partenaires comme TCA association Tout Cérébrolésé Assistance, Kleidi de l’Université Bordeaux Montaigne qui, par un dispositif de plaques connectées, permet l’accès des œuvres aux personnes malvoyantes ou encore le Saki Noir avec qui nous organisons des workshops et des ateliers numériques « Le son des couleurs ».  

Est-ce que vous pourriez me parler de l’équipe qui travaille sur le projet ?

La biennale Organo est donc organisée par l’association Totoche Prod, une petite équipe féminine, bénévole et très investie avec Marie-Elisabeth Siberchicot présidente, Aurélie Martinez, secrétaire, Ophélie Ahmad Adnet, trésorière puis Sophie Sourillan, scénographe et coordinatrice artistique, et moi-même.

La charge et la spécificité du travail devenant de plus en plus exigeantes et pointues au fil des éditions, Organo s’est dotée d’un régisseur professionnel, Marc Simon et d’un chargé de projets Carlos Olivera (Association KLAC).

Organo c’est aussi des bénévoles fidèles et indispensables, Estelle, Marie-Noëlle, Dominique, Inès, Alexandre, Audrey, Mathieu, Alexandre, Anne, Laure …

Qu’est-ce que vous cherchez à produire comme effet sur les visiteurs de cet évènement ? Une émotion ? Une réflexion autour du corps ?

L’idée d’Organo est vraiment de créer un espace convivial, créatif, dynamique et bourré d’énergie, un lieu de rencontres et d’échanges qui amènent les visiteurs à découvrir des œuvres inattendues, hors normes qui les interrogent sur l’art, le corps contemporain et sur la société d’aujourd’hui dans une ambiance chaleureuse voire festive !

Le corps est un objet artistique et politique, il est un moyen privilégié de véhiculer des messages, de questionner notre environnement ou de montrer qui nous sommes. Même si Organo s’oriente plutôt vers les thématiques des corps hybrides, transformés, augmentés et qu’elle relie souvent l’art à la science, il n’en reste pas moins que ces regards restent des sujets politiques, sociaux qui questionnent sans cesse notre rapport au monde et notre devenir.

Aujourd’hui, dans une époque du tout numérique, où les nouvelles technologies sont omniprésentes et où le corps semble mis à mal par la société, notre rapport au corps est vraiment en plein mutation.

« Couleur augmentée », que faut-il entendre par le thème de cette année ?

Depuis sa première édition en 2011, la biennale Organo a toujours réussi à créer des univers déjantés, hors normes et inattendus !  Chaque édition, pensée comme une création, met en scène une vingtaine d’artistes plasticiens et de performeurs renommés. Cette effervescence artistique autour d’une thématique singulière pour chaque édition, permet des moments et des découvertes artistiques intenses. La richesse des propositions laisse la part belle à la créativité et permet à Organo d’être un espace de réflexions plastiques et esthétiques autour de ces deux notions, corps et explorations artistiques innovantes.

La 6^ème édition de la biennale Organo se propose de créer un événement ultra-coloré, où les artistes sont invités à s’interroger sur notre perception de la couleur et nos capacités à les transformer, à les amplifier. Nous connaissons l’humain augmenté, résultant de modifications corporelles visant à améliorer ses performances et à augmenter ses capacités. La réalité augmentée désigne une interface virtuelle, en 2D ou en 3D, qui vient enrichir la réalité en y superposant des informations complémentaires. Qu’en est-il de notre perception colorée ? Sommes-nous en capacité de l’amplifier ?  Qu’expriment alors des couleurs augmentées dans les pratiques artistiques actuelles analogiques, numériques et connectées ? 

L’édition s’annonce très colorée avec 20 artistes aux propositions très diversifiées ! Des œuvres numériques surprenantes comme celles de Laurent Crevon qui traduisent les processus binaires sous-jacents d’images et de films en informations visuelles, les immenses photographies de Laurent Chiffoleau qui nous donnent à voir un intérieur ultra colorisé de nos neurones, il y aura beaucoup de belles découvertes !

Pour le moment, nous avons décidé d’annuler les performances et de maintenir l’exposition. Mais il est possible que les Vivres de l’Art ne puisse pas ouvrir leurs portes ! Si c’est le cas, nous reporterons l’ensemble de l’événement en mai 2022.

Liens utiles :

Site de la biennale

Page Facebook d’Organo

The post Biennale Organo : Au cœur du corps appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.

Photos : Alain Pelletier et Carlos Olivera

“Appelez-moi quand vous y serez”, un nom de rue, pas plus d’informations, c’est dans ce contexte que nous nous apprêtons à rencontrer Selor. Le streetartiste bordelais, connu pour ses Mimils, personnage reconnaissable par son apparence mi-chien, mi-renard et sa marinière, tient à garder le lieu de son atelier secret. Sur le trajet nous tombons sur plusieurs fresques déjà réalisées, s’ornant pour la plupart d’un texte poétique aux couleurs tendres. 

Rencontre avec David Selor, l’artiste qui, depuis plus de cinq ans, habille les murs de la ville.

– Cela fait plusieurs années que vous vous adonnez au street art, mais comment cette envie vous est-elle venue ? 

Selor-A la base je faisais du graffiti, du travail de lettres dans la rue et puis je commençais à avoir des problèmes, à avoir peur d’en avoir plus. J’ai arrêté pendant un temps, j’ai quand même voulu trouver un moyen d’expression et je me suis mis à faire un dessin, ce petit personnage que j’ai appelé le Mimil. A partir de là, j’ai gardé le support mural parce qu’il ne posait pas de contraintes de format, pas de contraintes de liberté non plus et c’est du partage en direct. C’est comme un mur Facebook, tu partages et si les gens aiment, ils te le disent, s’ils n’aiment pas ils viennent t’agresser. Ça n’arrive quasiment jamais, mais dans tous les cas il y a un retour direct. 

-On entend de plus en plus parler de Selor dans les médias. Vous accordez souvent des interviews ? En quoi cette notoriété a influencé votre façon de faire de l’art ? 

Selor-Oui, j’en ai fait quatre ces dernières semaines, donc il y en a quand même pas mal. Ça change forcément des choses, je dois faire deux fois plus attention à ce que je fais, à ce que je dis. Même si ça ne me sert pas de leçon, j’arrive toujours à faire plein de fautes d’orthographe par exemple, dans la logique des choses ça devrait changer. Mais dans le fond non, je crois que je m’en fous. 

-Se dédier uniquement à son art est un pari plutôt risqué, est-ce que vous arrivez à en vivre ? 

Selor– Depuis pas si longtemps que ça, ça fait 5 ans que j’ai arrêté de bosser à côté pour faire que de la peinture, et ça ne fait que deux ans que je paie des impôts, donc c’est cool. Je ne pensais pas que c’était possible déjà. La majorité des artistes n’en vivent pas. 

-Vous faisiez un parallèle entre le mur et les réseaux sociaux, c’est cet échange qui vous intéresse dans le mural ? 

Selor-Oui, pour susciter le dialogue et que les gens puissent se l’approprier, tout le monde peut vivre avec mes trucs, moi ça me fait kiffer. Même s’il y en a qui n’aimeraient pas, mais moi ça me botte de savoir que l’œuvre fait sa vie toute seule. En plus ça m’arrive de temps en temps de discuter avec les gens lorsque je travaille sur un mur. Là y’a une fresque qui dit “Ce n’est pas de l’art”, je l’ai faite parce que j’étais en train de repeindre en bleu et le mec n’avait même pas vu ce que j’allais faire, il m’a juste vu repeindre le béton en bleu, il s’est arrêté et m’a dit “Ce n’est pas de l’art ça”. Il a dû me prendre pour un peintre en bâtiment ou je n’en sais rien. 

-Vous avez déjà eu des problèmes lors de la réalisation d’une fresque ? 

Selor-Plusieurs fois par an, mais pas à Bordeaux. On peut dire ce qu’on veut sur Bordeaux mais les flics sont déjà passés et c’était pour m’encourager plus qu’autre chose. Donc pour l’instant je touche du bois. Après j’ai été arrêté en Angleterre, au Portugal, à Marseille. Jamais à Paris, sinon là j’aurais eu des problèmes je pense. Mais à chaque fois je m’en sors bien grâce au rapport avec le support, avec la pièce que je fais dessus, je fais en sorte de ne pas dégrader mais d’ajouter de la valeur. Donc à partir de là avec un bon discours, ils viennent vers moi en me disant “je peux vous aider ?”, bon bah je fais profil bas, je ferme ma gueule, je sais que je ne suis pas en totale légalité, mais ce n’est pas non plus de la délinquance.

-Le support est déterminant dans l’oeuvre produite, comment est-ce que vous le choisissez ? 

Selor-Moi je prends tout ce qui est portes murées en parpaings ou en bois qui condamnent les maisons qui ne sont pas habitées. Comme ça légalement ce n’est pas un support pour lequel on pourra me mettre en procès. Soit ça va être détruit quand les travaux vont commencer et dans le pire des cas, ça peut devenir un objet politique vu que ça met en valeur des bâtiments qui ne sont pas habités. Ça peut être un problème pour certaines politiques d’avoir des maisons qui ne sont pas habitées dans un centre-ville. 

-Quand vous créez une œuvre vous avez l’idée avant de la faire ou c’est le lieu qui vous l’inspire ?

Selor-Je n’ai pas de ligne directrice toute tracée, je peux partir avec une idée et au final faire autre chose. C’est pour ça qu’il y a souvent des erreurs, qu’on trouve ce côté naïf dans mes trucs de ville. C’est souvent spontané, même quand j’ai une idée bah en fait je fais autre chose. 

Je peins aussi à l’étranger, j’y vais dans l’optique de peindre des murs en industriel, d’arriver dans des villes, de faire un max de murs et repartir. Mais maintenant c’est plus en France qu’à l’étranger pour des questions d’avion.

-Combien de temps vous prend un mural à réaliser ? 

Selor– Les anciens pas plus de 15 minutes. Maintenant que j’ai compris qu’avec les spots que je choisissais je n’aurais pas de problèmes, je reste une, deux heures dessus. 

-Votre oeuvre se centre autour d’un petit personnage que vous avez évoqué: le Mimil, est-ce qu’il a une symbolique propre ? 

Selor– L’objectif c’est que tout le monde puisse s’identifier, se l’approprier, ou pas d’ailleurs. Mais à la base ça représente un autiste, je voulais avoir un côté humain et un côté super instinctif de l’animal, donc c’est ça qui est sorti en trois traits. Je l’ai modifié quand même avec le temps, mais c’est resté le même concept. C’était à une époque où je voulais faire éducateur spécialisé. En 2013, j’ai fait un service volontaire européen au Portugal, je travaillais dans un centre qui accueillait des autistes avec très peu d’indépendance, la plupart ne pouvait pas parler. S’ils s’exprimaient, c’était par des cris, en tapant ou des gestes. Et les éducs me disaient que pour certains il fallait que j’appréhende leur manière de communiquer comme si c’était une manière animale, il faut imaginer la tête d’un enfant qui vient de naître sur le corps d’un adulte de 30 ans. Ils réagissaient avec des manières super instinctives.

-Et d’où vient ce nom?

Selor– Parce qu’il fallait un nom. J’aurais été obligé de dire “je vous ai fait un machin” et donc de répondre à la question de savoir si c’est un chien ou un renard, du coup j’ai donné un nom. Après, moi je me fiche de savoir ce que c’est, je préfère me baser sur ce qu’on fait plutôt que ce qu’on est. Pour moi ça n’a pas d’importance que ce soit une girafe, ou une grenouille tant qu’on comprend le texte, ce qu’il fait. 

-Est ce que vous envisagez de faire une œuvre sans que Mimil y figure ? 

Selor– J’en ai fait, j’en ai vendu, mais aujourd’hui on m’appelle pour ça, donc s’il n’y a pas une petite référence, moi le premier, ça me ferait bizarre. Mais j’arrive à en sortir sans le quitter non plus, sur des toiles un peu brutes comme celle qu’il y a dans l’entrée là (montre une toile qu’il est en train de réaliser), il y a un esprit naïf, cette tête de chien de profil. 

-Le texte est utilisé pour transmettre un message concret ou c’est pour la poésie ? 

Selor-Les deux, des fois j’ai un vrai message à faire passer pour moi me soulager, des fois c’est pour soulager d’autres personnes. Des fois c’est pour parler au nom d’habitants que je viens de croiser et d’autres c’est de la pure connerie. Tous mes écrits sont à discuter, je ne me positionne pas en moraliste, moi je fais mes trucs, après je vois les gens se l’approprier comme ils veulent. 

-Les textes vous les avez avant le dessin ? 

Selor– Oui, je les mets sur le portable quand j’ai des idées, des fois je ne la fais jamais, d’autres je me dis “ok je la fais” et je me pointe sur le lieu et il y a autre chose qui va ressortir du quartier. Mais oui j’ai tout un stock de phrases.

-Par rapport à cet aspect transgressif du street art, le fait d’en vivre n’est-il pas paradoxal ? 

Selor– Tout est un paradoxe, le fait de la vie en elle-même en est un, on vit, on meurt. C’est assez contradictoire de se dire, on prend un truc on le met dans la rue ça devient populaire, dans le sens où ça touche toutes les classes sociales, mais après les toiles ne sont pas à moins de 1000 balles et là cette couche sociale ne peut pas se les offrir. Après la liberté de peindre dans la rue… sur une toile ce n’est pas les mêmes problèmes juridiques. Sur toile je ne mets pas trop de message, je vais plus jouer sur du visuel, c’est un travail différent.

-Vous vous considérez comme transgressif ? A l’écart de l’art normé ?

Selor– Je ne suis clairement pas là-dedans, je le ressens. Je ne marche avec aucune galerie d’art contemporain, avec aucun musée. Je ne pense pas un jour rentrer dans un musée, ça m’intéresserait bien sûr. Je suis pour l’institutionnalisation du travail de rue bien sûr, ça permet de le rendre pérenne et aux artistes d’en vivre. Je ne vais pas faire l’artiste pieds nus, bohème, la réalité c’est qu’il faut que je gagne ma vie, acheter de la peinture, continuer à être heureux et continuer d’offrir ce que j’offre. Donc quoi qu’il arrive, s’il y a des musées qui sont chauds bah moi que ce soit dans la rue ou ailleurs, c’est de la création. Après c’est peut-être plus rebelle de peindre sur les murs, bien que sur mes supports à moi pas vraiment. Ce qui est dans l’ère du temps c’est de faire quelque chose qu’on sait fragile, qui peut être détruit. C’est un patrimoine fragile qui disparaîtra très très vite. 

-Vos œuvres ont-elles une visée politique ? 

Selor– Je vois les dernières législations, il y a eu trois partis qui m’ont demandé de bosser avec eux, j’ai illustré des trucs promotionnels de partis sans même le savoir. Quand ils me demandent c’est non, peu importe le parti. Dans tous les cas c’est repris. 

-Avez-vous envie que votre art soit utile à la société ?

Selor– J’ai collaboré avec les Restau du cœur, mais après c’est que de la peinture. Ce n’est pas ça qui va nourrir les gens. Moi si, mais pas les autres. Donc utile ça dépend ce que les gens veulent en faire. L’art n’a pas vocation à avoir une réelle utilité pragmatique, c’est de l’ordre du ressenti. Après ça devient de l’artisanat, c’est pratique. Mais en œuvre d’art après le message et le côté émotionnel ça n’a pas vocation à être utile. 

 -Vous savez combien de fresques vous avez faites ? Vous en gardez une trace ?

Selor– Je ne peux pas les compter, plus de 500, peut être 800. Maintenant je les prends en photos, avant je n’avais pas le matos et je m’en foutais, donc c’est des photos que je récupère à droite à gauche, certaines sont inutilisables. 

-Vous n’avez pas envie de faire un livre “Selor” avec toutes ces fresques ? Ça doit être une énorme base de données.

Selor– C’est prévu, je bosse dessus depuis deux ans déjà. C’est une rétrospection mais j’ai du mal à me lancer parce que chaque année je prends du niveau en technique et quand je reviens sur mes trucs d’il y a un an ou deux, je me dis que je ne peux pas les présenter. Une fois que c’est peint et écrit ça ne m’intéresse plus, je balance et basta. Donc revenir dessus, faire un bouquin, je trouve ça très compliqué. Je me demandais si je n’allais pas faire un gros bouquin, de 200 pages, un super beau livre et en peindre la couverture à la main. C’est un bouquin que je vendrais 100-200 balles, avec plus de 300 Mimils dedans. Un truc fait pour les collectionneurs quoi. En tirage limité. J’en avais déjà fait un en 2017 mais avec un bouquin on gagne que dalle, après ça pérennise le boulot et ça circule vachement bien…

-Vous avez donc pas mal de projets en tête? 

Selor-Oui. Pour ce qui est des fresques, j’ai repéré un mur vers Mériadeck, il est moche à souhait et dégueulasse. Après il y a beaucoup d’incertitudes, même si la mairie est ok, ils ne vont peut-être pas vouloir financer la nacelle, donc j’en sais rien. Je veux bien faire plein de gros murs mais s’ils ne me rémunèrent pas un minimum…

-Le confinement a été un moment critique pour beaucoup mais aussi une opportunité de création, comment est-ce qu’il a impacté votre art ? 

Selor– J’étais sur un projet avec un hôtel, Victoria Garden sur le cours de la Marne, avec A-Mo, on a fait des fresques là-bas, plusieurs murs. Donc on a bossé là-bas avec nos dérogations. Sinon j’ai fait des toiles, je devais exposer chez Bernard Magrez le 2, c’est repoussé. Moi je pense que j’aurais toujours une certaine clientèle parce que les gens qui ont les moyens de s’offrir de l’art, en parallèle d’être aussi ceux qui ont parfois le moins de temps pour s’y intéresser, ce sont ceux qui ne sont pas trop affecté par une crise. Ça ne va pas énormément changer de choses, peut-être moins bosser avec les écoles. J’en fais trois-quatre par an, des murs avec elles. En général ce sont des petits projets, des petits murs tranquilles, à part à St Joseph de Tivoli où j’ai fait un mur de 12 mètres de haut quand même à la nacelle. Ça fait plaisir d’avoir des grosses surfaces comme ça, c’est ce que je recherche dans le centre pour pouvoir pérenniser mon travail. Imaginons, je m’en vais, l’année prochaine ou dans deux ans il n’y a plus rien. C’est mon but à Bordeaux. 

Plus d’interviews en cliquant ici

The post L’art du Mimil : Interview avec Selor appeared first on KLAC Kaléidoscope laboratoire Culturel.